Soloimmagini Arte, musica e versi

Post reperito dal blog di Annarita Ruberto

2012-01-26T23:44:00.002+01:00

Ricevo e pubblico il seguente comunicato stampa relativo a Firenze Virtual History, una nuova app per iPad, grazie alla quale gusterete un viaggio tridimensionale nella città che ha ideato il Rinascimento.
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Buon Compleanno Con L'Arte

2012-01-18T17:26:00.004+01:00

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MONET E LA PITTURA EN PLEIN AIR

2012-01-09T11:43:00.003+01:00

Eugène Boudin (Honfleur, 12 luglio 1824 – Deauville, 8 agosto 1898)

Se Monet divenne un pittore di paesaggio lo dovette, almeno inizialmente, a Eugène Boudin.(Opere)
Boudin, alla fine degli anni Cinquanta aveva visto nella vetrina del coloraio Gravier di Havre, dove esponeva i suoi lavori, le caricature di Monet, più giovane di sedici anni , e lo aveva invitato a unirsi a lui per dipingere all'aria aperta sulla costa normanna.Boudin, dava al paesaggio che dipingeva freschezza e naturalezza, era molto attento ai mutamenti delle nubi e delle onde, colpirono Baudelaire che lodò l'artista nella recensione del Saloon del 1859; l'ammirazione del del poeta non si rivolgeva tanto al quadro lì esposto quanto agli schizzi a olio eseguiti all'aria aperta, che aveva appena visti nello studio dell'artista: nel suo scritto Baudelaire sottolineava il fatto che Boudin appuntasse con cura, su ognuno dei fogli, la data e l'ora, analogamente a quanto aveva fatto John Constable mezzo secolo prima nei suoi schizzi di nuvole.

La spiaggia di Trouville-1864
Parigi Musèed'Orsay

La capacità di catturare gli effetti transitori e reali del momento fanno di Eugène Boudin una figura importante nella storia del plein air francese, uno dei precursori più diretti della pittura impressionista.

Gli studi all'aria aperta tanto ammirati da Baudelaire, vengono da lui sviluppati in i paesaggi più rifiniti, realizzati in atelier; a partire dagli anni Sessanta i paesaggi si popolano di figure diverse, non lavoratori locali, ma quelle dei turisti fra i quali Boudin trovava i suoi clienti. Nei dipinti degli anni Sessanta l'artista registra quindi la voga crescente del turismo nelle località costiere-uno dei temi classici della successiva pittura della vita moderna , di Manet e degli impressionisti-senza mai perdere, tuttavia la capacità di trascrivere fedelmente la luce sempre mutevole del paesaggio normanno.

Particolari
Notizie e immagini prese
da questo libro. Tranne la prima
e la seconda
Altra figura notevole, sotto i profili appena delineati, è quella di Johan Barthold Jongkind, olandese di nascita, ma attivo da anni sulla costa normanna dove dipinge analogamente a Boudin ( su cui ebbe notevole influsso), en plein air. E' anch'egli come quest'ultimo, un grande pittore dei cieli. A differenza di Boudin, Jongkind trascurava i turisti in vacanza, si soffermava sui lavoratori della costa e, crede della tradizione di marine olandesi, dipinge anche imbarcazioni e i porti.Monet, icontra Johan nel 1862 e i suoi dipinti negli anni successivi risentono molto dell'arte di questo pittore, le cui opzioni tecniche e tematiche lo confermano nella direzione già indicategli da Boudin e contribuiscono ad arricchire la varietà dei sui motivi. Sino alla metà sessanta Monet conserverà l'abitudine di andare a dipingere sulla costa in compagnia di Boudin sia di Jongkind. Monet stesso confesserà: "Se sono diventato pittore lo devo a Eugène Boudin. È a lui che devo l'educazione definitiva del mio occhio".

Un approccio all'Arte Islamica.

2012-01-06T21:14:00.000+01:00

Razionalità, bellezza e fede.

Taj Mahal

Patrimonio dell'umanità

Sublime mausoleo di epoca moghul è l’emblema stesso dell’India. In molti hanno cercato di cogliere la bellezza con le parole – “una lacrima sul volto dell’eternità” secondo il poeta indiano Rabindranath Tagore, “l’incarnazione di ogni purezza” secondo lo scrittore britannico, indiano di nascita, Rudyard Kipling. ( immagine dalla rete)

L'Islam è una religione da un monoteismo rigoroso, che ha dato vita a una civiltà e a una cultura in cui spirituale e temporale sono indissolubilmente fusi.

La sua visione del mondo è rimasta fedele allo spirito originario, nonostante le specificità storiche, culturali e razziali delle genti che nel tempo vi hanno aderito.

Non esiste altra autorità temporale se non quella di Dio attraverso il Corano. Il califfo è il vicario di Dio in terra, non è un re, non ha alcun potere di legiferare in materia di cose spirituali e non è signore di beni temporali.

Nel giro brevissimo di anni dalla morte di Maometto (632) gli eserciti islamici composti da arabi sono sempre più numerosi, che aderiscono a questa trascinante ideologia, conquistano gli sterminati territori che avevano visto fiorire la civiltà greco-romana e quindi giudaico-cristiana a Occidente e in Asia centrale conseguendo uno straordinario successo.

Dal punto di vista dell'espressione artistica e architettonica il mondo islamico assimila esperienze,energie creative , tecniche e forme artistiche dei popoli assoggettati, straordinariamente ricche e differenziate, per rifonderle in un'esperienza del tutto nuova e autenticamente originale: lo scopo dell'opera del vero credente consiste nell'esaltare la parola "calata" da Dio sugli uomini tramite il Corano.

Le prime forme dell'arte architettoniche islamica si trovano nei primi paesi conquistati: Palestina, Siria, Mesopotamia, Egitto e Tunisia, e risentono della fortissima tradizione greca, cioè ellenistico-bizantina e quindi cristiana a sua volta condizionata dal rapporto con le vicende espressive del mondo.

La definizione di arte, e a maggior ragione di arte specificamente islamica, come attività umana volta a creare opere inerenti l'esperienza umana e una peculiare e individuale visione del mondo, cui si riconosce un valore estetico, spirituale e universale.

Ogni espessione dell'arte islamica e a maggior ragione l'architettura, è eminentemente simbolica e si presta a più livelli di lettura e utilizzo: da quello pratico del semplice fedele che necessita di un luogo per il culto a quello del grande , che attraverso il mecenatismo afferma la suo potenza e si garantisce la riconoscenza dei fruitori; a quello mistico, del filosofo e /o teologo, che vi trova espressi i piu profondi principi della sua fede.

"Gli infiniti percorsi geometrici sono il cammino che conduce a Dio"

L'arte islamica ha elaborato un complesso sistema espressivo che nel suo spirito, è significante e "antidecorativo". La simmetria, cioè l'esatta ripetibilità di un disegno geometrico all'interno di un cerchio, è uno dei principali fondamentali dell'arte islamica.Motivi, apparentamente superficiali e decorativi e spesso ripetuti all'infinito, dove il rigore geometrico si sposa alla qualità dei materiali e alla sostanza della luce,

il tentativo di accompagnare il fruitore in una sorta di silente percorso verso quella che per un fedele è la la più profonda forma di conoscenza: quella del mistero del divino.

Mausoleo di Arslàn Jarib,cupola con mattoni a spine di pesce e oculo centrale,1028,Sanghast, Iran.
Sangbast, Iran.

Intorno ai simboli riscontrabili nelle figure geometriche i mistici islamici hanno elaborato numerose teorie, a volte macchinose a volte di limpida cristallinità. In ogni caso la manifestazione della forma è vista come riflesso della perfezione del divino, e la comprensione della sua struttura è vista come riflesso della perfezione della Creazione.
Le forme dell'intreccio geometrico sono la struttura di base di quasi tutta l'arte islamica.

Un disegno rigoroso e sostanziato alla fine del percorso è l'intuizione poetica (o mistica) che coglie il senso più profondo dell'ordine delle cose, dando forma visibile all'invisibile.

La cupola del Mausoleo iraniano ci offre uno splendido esempio: la semplicissima disposizione dei mattoni, posti di taglio a spina di pesce con poco legante, esalta l'occhio di luce che si espande con mistica dolcezza a illuminare l'ambiente sottostante. Nel caso delle finestre (seconda immagine a destra) dove la luce che si espande è filtrata da una grata, questo fenomeno è enfatizzato: è la regolarità della concezione geometrica a dare un disegno significativo alla luce, svegliandone l'intimo arcano, come ben riconoscibile negli esempi originali superstiti della moschea Ibn al Cairo (Egitto) dove le forme geometriche mirano a rendere intelligibile quanto sta al di là dell'umanamente conoscibile.

Fatehpur Sikri.
iniziata nel 1571.
Uttar - Pradesh. India.
Qui L'imperatore moghul Akbar fuse elementi architettonici hindu e islamici, esaltando una dimensione leggera e orizzontale, permeabile all'aria e ricca di felici asimmetrie.(immagine dalla rete)

Tra i rari esempi di strutture di questo tipo, sopravvissute in buono stato di conservazione, va annoverato l'eccezionale complesso realizzato dall'imperatore moghul Akabar. L'amzizioso progetto, che fonde elementi architettonici hindu e islamici, giunge a un'inedita, sapiente sintesi e riesce a tradurre nella calda tonalità della pietra locale le suggestioni del giardino.
Al centro una piattaforma appena sporgente dall'aqcua, raggiungibile grazie a quattro sottili passerelle sospese sullo specchio che ripetono invertendone la sostanza, il concetto dei quattro fiumi del paradiso del chahar bag. Al centro ovviamente , si trova il seggio di Akabar.
L'ebbrezza di camminare tra il cielo e la propria immagine crea una suggestione di rara intensità e forte senso lirico religioso.

Il giardino, luogo eletto di piacere in terra e metafora del Paradiso.

Scuola Moghul,
Il giardino di un harem, proveniente da Faizabad, XVIII secolo circa, Copenaghen,
collezione David.

Il giardino del palazo che sembra estendersi fino all'orizzonte, dove si vedono cavalli correre sull'acqua ed eserciti schierati, è una sensuale metafora del paradiso, pronto ad accogliere il credente e ad avvolgerlo tra le seduzioni dei suoi piaceri.L'opera Sif laila wa laila, nota in occidente come Le mille e una notte, è senza dubbio la più celebre della letteratura araba nel mondo occidentale.
Nelle mille e una notte si trova una descrizione delle meraviglie dei giardini abbasidi rimasta celebre: "Ali- Nour aveva visto a Bassorah dei gran bei giardini, ma non ne aveva mai sognati di simili a questo.

"La grande porta era formata da arcate sovrapposte con il miglior effetto, e coperte di viti rampicanti che lasciavano pendere pesantemente dei magnifici grappoli gli uni rossi come pietre di rubino, gli altro neri come l'ebano. Il viale in cui penetrarono era ombreggiato da alberi che si piegavano sotto il peso dei frutti maturi. Sui rami gli uccelli cinguettavano nella loro lingua dei motivi aerei.
L'usignolo modulava le sue arie. la tortorella tubava la sua pena d'amore, il merlo fischiava col suo fischio umano, il piccione dal collare rispondeva come inebriato da liquori forti. Là ogni albero da frutto era rappresentato dalle sue migliori qualità: c'erano albicocchi con dei frutti a mandorle dolce e dei frutti a mandorla amara, c'erano anche albicolche del Khorasan; dei pruni dai frutti color di belle labbra, mirabelle dolci da incantare; fichi rossi, fichi bianchi, fichi verdi dall'aspetto mirabile.
Quanto ai fiori erano come le perle e il corallo; le rose erano più belle delle guance delle più belle; le violette erano scure come la fiamma dello zolfo bruciato; c'erano i bianchi fiori del mirto; c'erano le violaciocche e viole, lavanda e anemoni. Tutte le loro corolle si adornavano delle lacrime delle nuvole, e la camomilla sorrideva con tutti i suoi denti al narciso, e il narciso guardava la rosa con occhi profondi e neri. Il cedro era come la coppa senza manico nè collo, i limoni pendevano come bolle d'oro. Tutta la terra era tappezzata di fiori dai mille colori, perchè la primavera regnava e dominava tutto il boschetto; perchè i fiumi fecondi si gonfiavano e le sorgenti tintinnavano, e gli uccelli parlavano e si ascoltavano, perchè la brezza cantava come un flauto, lo zeffiro le rispondeva con dolcezza, e l'aria risuonava di grande gioia!" ( Bellissimo)!

Il giardino di Harun al-Rashid non è mai esistito, si tratta di un'iperbole letteraria, ma non tutto è poesia e immaginazione. Questa descrizione corrisponde a quella di tanti giardini sparsi nel dar al-islam da Samara a Granada, Lahore, Isfahan, e testimonia un atteggiamento verso il Paradiso vegetale comune a tutto il mondo islamico, un atteggiamento portato a enfatizzare le meraviglie della natura chiusa fra quattro mura, domata dalle cure sapienti dell'uomo e contrapposta al mondo ostile esterno.

Notizie e immagini dal libro..La Storia dell'Arte

(Avviso per i "naviganti". Visto che la settimana prossima non so se posso essere qui. Butto "l'ancora" nell'Islam. Sono le 3.18. Ora ho finito e posto. Vi abbraccio e vi auguro buona domenica e buona settimana. Se non dovessimo sentirci, pensatemi un tantino, ci conto. Abbraccio e bacio circolare).
Siamo arrivati alle 3.41

Soloimmagini augura

2012-01-04T22:40:00.008+01:00

Un Buon Anno a tutti!

"L'adorazione" del Vasari
in mostra al Museo diocesano
Fino al 10 gennaio, al Largo Donnasregina, sarà esposto il capolavoro del maestro toscano Fonte

Il Barocco leccese.

2011-10-12T22:45:00.009+02:00

Tra sacro e profano.
I due volti di Lecce

Chiese, monasteri, palazzi signorili: quella di Lecce è l'immagine di una città dal compatto tessuto urbano in cui le varie tipologie edilizie e le varie epoche risultano unificate dall'esuberanza decorativa degli apparati plastici generosamente profusi sulle superfici fino a rendere inscindibile il rapporto tra architettura e scultura.

Grazie anche all'utilizzo della pietra locale, tenera e facilmente modellabile, si sviluppa a Lecce un originale linguaggio figurativo espressione delle peculiarità culturali della zona salentina nel corso deisecoli.

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Porta Napoli

La nostra visita inizia con Porta Napoli. E'la più monumentale delle tre porte cittadine conservatesi a Lecce. Fu costruita nel 1548 in onore di Carlo V e reca nel frontone lo stemma dell'impero austro-spagnolo: l'acquila bicipite.

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Tra l'inoltrato Cinquecento e il Settecento Lecce tende progressivamente ad assumere l'aspetto di una cittadella della fede dove spiccano le emergenze di chiese e conventi.E' infatti nel fervido clima di restaurazione spirituale, giungono nella città, con l'intenzione di farne un baluardo del cattolicesimo, i gesuiti nel 1574 e i teatini nel 1586, provvedendo alla costruzione del loro insediamento. Si lega inoltre proprio a un ordine, quello dei celestini, il monumento simbolo di Lecce e la chiesa di santa croce.

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Basilica di Santa Croce e Palazzo del Governo
Parte inferiore della facciata di Santa Croce con, a sinistra, il palazzo del Governo, ex-Convento dei Celestini.

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Palazzo del Governo L'ex-Convento dei Celestini, attiguo alla basilica di Santa Croce, fu costruito nel 1659. Oggi ospita l'amministrazione della Provincia.

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Nel panorama architettonico leccese è la chiesa di Santa Croce a offrire il riscontro più immediato di questa arte sincretica.
La chiesa di Santa Croce è il monumento più importante di Lecce. Viene considerata il capolavoro del barocco leccese. Fu iniziata già nel 1353, ma i lavori furono sospesi dopo poco e ripresero solo nel 1549 sotto la direzione di Gabriele Riccardi. La costruzione fu conclusa ben 150 anni dopo, nel 1695.Il fervore costruttivo del Cinquecento continua anche nel secolo successivo, grazie alla figura del vescovo Luigi Pappacoda che rilancia le iniziative edilizie legate al clero secolare promuovendo, tra l'altro, gli interventi connessi a un altro punto nevralgico della città,la piazza del Duomo.

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Splendido e maestoso il rosone centrale, profilato da una corona di foglie di acanto.(Costruzioni Architettoniche dove non mancano scultorei ricchi e fantasiosi di sacro e profano nella presenza contemporanea di figure di angeli e di nudità mitologiche, animali fantastici, elementi fitomorfì)

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Piazza Duomo con Palazzo Vescovile

Una delle più belle piazze d'Italia. Un unico ingresso dà accesso alla piazza circondata interamente da edifici barocchi. Nella foto il palazzo Vescovile, a destra del duomo, realizzato nel XVII secolo con loggiato angolare.(cliccando sull'immagine potete ammirarla in veduta notturna..da mozzafiato)

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Ponte tra occidente e Oriente,

Lecce è depositaria di memorie classiche

e bizantine ma anche terra di radicate

culture locali nelle quali sopravvive

un sostrato pagano e mediterraneo fatto

di miti legati all'abbondanza e alla

fertilità della terra, tipici di una realtà

fortemente legata al mondo agricolo.

Il viaggiatore George Berkeley, nel 1717,

Di fronte alla magnificenza di Lecce

sostenne che
"la più bella città italiana

si trova in un angolo del tacco"

La stessa cosa ho pensato umilmente io

mentre umilmente preparavo il post.

Immagini dal web.
Informazioni dal libro-
La Storia Dell'Arte-

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Le più belle poesie
si scrivono sopra le pietre
coi ginocchi piagati
e le menti aguzzate dal mistero.
Le più belle poesie si scrivono
davanti a un altare vuoto,
accerchiati da argenti
della divina follia.
Così, pazzo criminale qual sei
tu detti versi all’umanità,
i versi della riscossa
e le bibliche profezie
e sei fratello a Giona.
Ma nella Terra Promessa
dove germinano i pomi d’oro
e l’albero della conoscenza
Dio non è mai disceso né ti ha mai maledetto.
Ma tu sì, maledici
ora per ora il tuo canto
perché sei sceso nel limbo,
dove aspiri l’assenzio
di una sopravvivenza negata.

Alda Merini, da "La Terra Santa" 1983

L'atene di Pericle.

2011-06-12T10:45:00.008+02:00

Pericle (495-429 a.C.), rampollo della vecchia aristocrazia è lo stratega destinato a dominare la scena politica di Atene per buona parte del V secolo a, C.

Pericle sa affiancare al programma democratico, attuato con abilità e spregiudicatezza, un parallelo sviluppo economico senza paragoni nella storia ateniese e della Grecia tutta.

Pericle eletto stratega quasi senza soluzione di continuità dal 443 fino al 429 a C. anno in cui è contaggiato dalla terribile epidemia di peste diffusasi in città.

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I maestri dell'armonia.

Verso l'idea di classico

(Eretteo fronte orientale, acropoli, Atenene).

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Nella storia dell'arte greca è generalmente definito "classico" il periodo compreso tra la vittoria greca di
Salamina sulla flotta persiana, nel 480 a.C, e la morte di Alessandro il Grande(323 a.C,). In questo secolo e mezzo, si distinguono periodi segnati da caratteri formali e stilistici autonomi.
Il termine "classico" è ormai entrato nell'uso comune con il significato di esemplare, perfetto; della produzione artistica è Classico, in ogni cultura, il momento di più completa realizzazione formale, il punto di arrivo destinato a essere punto di riferimento e il modello dei posteri.Nel mondo greco, tale momento viene indicato nel periodo che vede Atene guadagnare la supremazia sull'Ellade, non solo in campo politico, ma anche culturale e artistico. Atene punto di incontro di tradizioni diverse, rappresenta infatti il fulcro e il riferimento della Grecia. La ricchezza nella capitale dell'Attica è tale da appannare la produzione artistica di altri centri della Grecia.

Il sublime dopo il severo.

( Apollo del Belvedere, copia in marmo del II secolo d.C, da un originale bronzeo del IV secolo A. C.

Città del Vaticano, Musei Vaticani).

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Per lungo tempo, la Grecia classica è stata intesa come il mondo classico tout court, Il periodo che il padre della storia dell'arte antica. J.J.Winckelmann, ha definito il "sublime" e che la critica antica e quella moderna hanno considerato concordemente , "classico" per eccellenza.

Oggi, più correttamente, riconosciamo nell'arte della Grecia classica il mondo formale elaborato nell'ambito di poco meno di un cinquantennio fortemente condizionato dalla situazione contingente e lo interpretiamo come una tappa per quanto fondamentale, del razionale percorso di secoli affrontati ad Atene e altrove in Grecia da pittori, scultori, architetti e urbanisti di tutto il mondo ellenico.

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Il "il tempio che chiamiamo Partenone", sede della dea vergine.

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Un grande tempio per cancellare il ricordo dell'invasione persiana e celebrare Atena, protettrice della città.
Il progetto del tempio di Atena Vergine(Parthenos) si realizza, non senza opposizioni, tra il 447 e il 432 a.C. L'area scelta per l'edificazione del tempio è nel settore meridionale dell'acropoli, già occupato dal cantiere tardo-arcaico per la costruzione del tempio Parthenos mai terminato, devastato dai persiani di Serse e ripreso da Callicrate.
Il progetto viene affidato a Ictino, personalità geniale in grado di reinterpretare il linguaggio dell'architettura dorica.
Ictino sfrutta il basamento del vecchio edificio ampliandolo e stravolgendone le proporzioni, ma smontando con cura e riutilizzando i materiali già in'opera e inserendo nel proprio progetto anche le idee del suo predecessore. Per chi ama approfondire... qui

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Fidia e altri.

Corteo delle Vergini.

(Cliccando sull'immagine si entra nel Capolavoro).

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Mirone di Eleutere.

Discobolo Lancelotti, copia in marmo da un originale bronzeo del 460-450 a. C., Roma, Museo Nazionale Romano.

L'altleta è rappresentato nel momento che precede il lancio del disco, Non è tuttavia il movimento che Mirone sceglie di rappresentare, quanto piuttosto la carica e la potenza che precedono lo sforzo: tutto il corpo è concentrato, e l'espressione del volto sottolinea il raccoglimento dell'altleta prima dello scatto.

Fra i più celebri scultori dell'epoca severa è Mirone, originario di Eleutere.(unità territoriale greca). Educato ( e con lui altri tra cui Fidia) alla scuola di Agelada, si specializza sopratutto nella realizzazione di bronzi che raffigurano eroi, dei, atleti e animali: nessuno di questi è sopravvissuto in originale.

La più celebre, oggi come probabilmente in antico a giudicare dal numero di repliche giunte frammentarie sino a noi è il Discobolo.

La copia meglio conservata, quella delle collezioni del Museo Nazionale Romano. A Mirone, sono stati attribuiti anche i Bronzi di Riace, anche se il dibattito è ancora aperto.

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Gli eroi di Riace.
Sui fondali di fronte a Riace, in Calabria, emersero dal mare i due bronzi che non hanno cessato di suscitare nella critica discussioni ancora irrisolte: incerto è l'autore (forse gli autori), come pure incerte sono l'identità dei personaggi raffigurati, l'ordinaria collocazione e la precisa datazione delle due opere. Gli storici dell'arte antica hanno immaginato, alle spalle delle due magnifiche statue, l'opera di botteghe di bronzisti attici o peloponnesiaci o magnogreci.

Nella prima immagine sulla sinistra la struttura corporea del guerriero A, arricchita dalla definizione anatomica estremamente dettagliata, quasi fredda.
Indizi che caratterizzano in genere il periodo severo e che spingerebbero dunque a considerare questa statua la più antica delle due.
Ogni singolo muscolo viene evidenziato, le vene ingrossate corrono sotto la pelle. Quasi ossessivo è l'accanimento con cui il bulino dell'esecutore ha definito i solchi delle ciocche e i pesanti riccioli della barba e della capigliatura, il volto sembra infiammato dalla ferocia dello sguardo, enfatizzata dalla nettezza con cui l'ombra scava gli zigomi, Siamo di fronte all'espressione di una maschera di guerra.

Per il Guerriero B, l'artefice sembra aver avuto altre preoccupazioni: la postura è simile a quello del compagno ma diverso è il trattamento delle masse, più armoniche. L'equilibrio si riflette anche sul volto: l'inclinazione della testa le labbra socchiuse come fossero pronta a parlare,incorniciata da una morbida barba, la luce diffusa sulle guancie, lo sguardo segnato dalla curva abbassata delle sopracciglia tutto concorre a caricare il volto di intensa umanità. Tutte caratteristiche che meglio vedrebbero nell'opera una realzzazione più compitamente classica.

Le differenze riscontrate possono essere ricondotte alla diversa cronologia delle statue, che nella lettura più diffusa non sono contemporanee, o semplicemente rivelare personalità artistiche diverse, il clima potrebbe essere quello della metà del V secolo a. C.

Per capire la provenienza delle due statue, recentemente sono entrati in gioco anche i più moderni metodi scientifici. L'analisi della terra di fusione rinvenuta nelle statue al momento del restauro ha permesso di confermare quantomeno, che le due opere sono state realizzate in due luoghi diversi: il bronzo A ad Argo, il B ad Atene.
Tali indicazioni vengono portate a supporto delle ipotesi avanzate sulla base di confronti stilistici.
Agelada di Argo, "maestro dei dei maestri" Fidia Policleto e Mirone, celebrato dagli antichi scrittori, sarebbe il bronzista cui attribuire la statua A. Le caratteristiche del volto trovano strette somiglianze con i personaggi rappresentati sul frontone orientale del tempio di Zeus a Olimpia

Il bronzo B si assegna ad Alcamene contemporaneo e rivale di Fidia.

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Notizie e immagini prese dal mio libro...La Storia dell'Arte.

Buona Lettura e buona domenica.

Italo Squitieri

2011-05-01T17:47:00.017+02:00

Italo Squitieri nasce nel febbraio del 1907 a Potenza, in terra di Lucania. Svolge i suoi studi a Pavia ed è qui che fa il suo incontro con la pittura. Gli interessi giovanili sono per l'impressionismo (Degas) in un primo tempo e, in seguito, per il futurismo, però la via del "Novecento" è quella destinata a dare alla sua pittura l'impronta decisiva. Continua leggere...

Squitieri, dunque comincia a dipingere da adolescente, quando deve lasciare Potenza, istradato dalla famiglia agli studi di ingegneria: precisamente a Pavia. Quanto a dire in un altro mondo. La Lucania che egli lascia è una regione che pochi conoscono, amata soltanto da coloro che ci sono nati, in specie da quelli che hanno dovuto partire. E' il vero cuore del Sud, terra dura, afosa nelle piane, gelida sulle alture, terra di sacrificio e al tempo stesso di mistero, dove le resistenze sociali affondano le radici nei limbi del mito, dove le tradizioni continuano a fiorire dal tronco di antichissimi culti di cui si è perduto il significato ma non l'importanza. Italo Squitieri, pittore lucano contemporaneo Continua a leggere...

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Cavalli in radura - Olio (70x100)

Gallerria Fotografica

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l'amico Indro Montanelli
Italo Squitieri rimase molto sorpreso e un po' incredulo quando gli dissi che il giorno in cui mi si desse di reincarnarmi con diritto di scelta non chiederei a Dio di farmi Leonardo o Einstein, ma Squitieri.
Continua a leggere...

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Composizione Arcaica"Mito Lucano" -olio su tela 120x150-

Collezione A.kaufmann Hideland (Illinois) U.S.A

Lucania 1965- olio su tela 90x130 Proprietà N.Torio - Roma.

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(NOVEMBRE 2010) Vittorio Sgarbi e Mimmo Centonze presentano la mostra "Italo Squitieri - Luce radente", mostra a cura di Mimmo Centonze presso la Biblioteca Provinciale di Matera.

"Italo Squitieri -- Luce radente" è una mostra che apre un dialogo immaginario tra due importanti artisti della Basilicata: Mimmo Centonze, giovane artista trentenne di Matera in perenne ascesa nazionale e Italo Squitieri nato a Potenza, vissuto in Europa e in Asia minore e scomparso in piena affermazione nel 1994.

Mimmo Centonze, qui nuovamente in veste di curatore di una mostra, ha selezionato cinquanta opere dell'artista Italo Squitieri cercando di restituire una rassegna più completa possibile del suo lavoro. Si tratta di una selezione degli ultimi lavori ancora in possesso degli eredi. Non manca tuttavia la possibilità di ripercorrere i vari periodi dell'artista.

Si comincia con le opere degli anni Cinquanta, nelle quali la presenza dell'uomo è suggerita dagli oggetti che ne testimoniano l'avvenuto passaggio, come abiti appesi appena dismessi e sedie vuote lasciate in mezzo ad una stanza.

Si passa poi al ciclo de "Il Potere", con una scelta di sole quattro opere sulle ventotto dell'intero ciclo, fortemente rappresentative dei nostri tempi.
Viceversa, per la prima volta nella città di Matera sarà possibile visionare l'intero ciclo su "Petra", presentato ed esposto in linea d'aria con i "Sassi", dando vita ad un perfetto ed ancora vivo dialogo tra le due città.

I paesaggi lucani di montagne e valli che, nonostante la maestosità, accolgono con affetto materno piccolissime case trafitte dal sole. Luoghi mai dimenticati dal pittore, citati a memoria, a volte attraversati da sontuosi cavalli e nudi cavalieri che si confrontano con la natura e vanno incontro ad una luce fuori campo che li invade.

Tutta l'opera di Squitieri è attraversata da una luce radente accecante, che riesce a far fuoriuscire figure e luoghi come incastonati in una pietra che si è fatta pittura e materia e quindi luce, la sua straordinaria ossessione.

Dal 3 novembre 2010 al 9 gennaio 2011 le opere di Italo Squitieri sono rimaste esposte presso la Biblioteca Provinciale.

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Luc ania

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Ritratto di Marina 1961- olio su tela 50x70- Prorprietà M. Segrè- Trieste.

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Nella ricerca di trovare immagini in rete mi trovai su un blog, http://italosquitieri.blogspot.com/ pieno di notizie, e così decisi di scrivere a Valeria la "proprietaria" del blog, per chiederle se potevo prendere qualche notizia dal suo sito. Dopo mezz'ora mi arrivò la risposta e qui viene la sorpresa... Valeria, è la nipote di Italo Squitieri. Potete immaginare la mia sorpresa. Dunque questo post, è realizzato a sei mani...quelle di Annarita, di Valeria e le mie. A loro va il mio ringraziamento.

Ringrazio la mia amica Annarita che mi ha aiutato a realizzare questo post.

Ma c'è ancora un'altra sorpresa. Nella ricerca di trovare immagini in rete mi trovai su un blog, http://italosquitieri.blogspot.com/ pieno di notizie, e così decisi di scrivere a Valeria la proprietaria del blog, per chiederle se potevo prendere qualche notizia dal suo sito. Dopo mezz'ora mi arrivò la risposta e qui viene la sorpresa... Valeria, è la nipote di Italo Squitieri. Potete immaginare la mia sorpresa. Dunque questo post, è realizzato a sei mani...quelle di Annarita, di Valeria e le mie. Ad Annarita e Valeria va il mio ringraziamento. Ma senza il mercatino delle pulce non avrei mai saputo di Squitieri ne sarebbe nato questo post. Le opere del libro sono tutte intatte come potete vedere. Si, dalla gioia le immagini qui riportate sono stata scansionate dal libro, tranne l'autoritratto dell'autore. Per chi volesse approfondire l'argomento cliccare qui

Valeria ha detto...

...le tue parole mi commuovono: "sentire" l'ammirazione che suscitano le opere di zio Italo dopo quasi 20 anni dalla sua scomparsa è per me un'esperienza nuova che riesce almeno in parte ad avvicinarmi all'animo nobile di un uomo/artista che gli occhi di una bambina hanno sigillato in un ricordo indelebile. Solo oggi rivedo nelle sue opere, i racconti dei suoi viaggi e mi sembra ancora di percepire le vibrazioni che quei racconti emanavano, pregni com'erano di amore, gioia e voglia di vivere.
Grazie...
02 maggio 2011 09:35

Annarita ha detto...
Cara Rosaria, hai svolto un'opera meritevole nell'aver dedicato un articolo così bello all'Arte di Italo Squitieri.

Squitieri riveste un ruolo rilevante nell'Arte italiana del novecento.

La sua pittura è forte, avvincente e originale. I temi che tratta sono universali eppur resi con sottile ironia. La materia, la pietra sono plasmate dalle sue pennellate robuste e sicure sino a trasformarsi in energia pura che abbaglia e affascina l'osservatore.
Grazie
Un abbraccio.

Cara Annarita Lo abbaiamo fatto insieme.
Un post a sei mani.
Sono io che ringrazio te e Valeria.
Rosy

San Pietroburgo

2011-04-20T10:16:00.001+02:00

Nuove Capitali- San Pietroburgo, Edimburgo, Berlino Washington.

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L'idea barocca di uno spazio razionalmente ordinato ed esteso "all'infinito" ha il suo diretto corrispondente nell'idea di città capitale, intesa quale centro di forze che si estendono oltre i propri confini.

mentre nella capitale italiana i punti focali collegati da ampi viali prospettici sono gli edifici di culto, Parigi assegna invece la medesima funziona alle piazze, la cui semplice forma geometrica è ideata per ospitare al centro la statua del sovrano: il punto focale diventa quindi l'immagine del sovrano assoluto. Nel corso del regno di Luigi XIV Parigi ha ormai acquisito una forma pressochè definitiva.

La pianificazione urbanistica di Torino costituisce un ulteriore esempio di come il sistema ideale di monarchia assoluta si rifletta anche sull'idea di città e sulla relativa organizzazione urbanistica.

Nonostante ciò in nessuna delle tre città la concezione planimetrica barocca si è espressa al meglio, in quanto la maglia urbana teneva conto di una situazione già esistente.

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San Pietroburgo

Nelle due immagini la cattedrale dei Santissimi Pietro e Paolo-1704-1803

L'ammiragliato 1712-1733

All'inizio del Settecento il nuovo zar Pietro il Grande inaugura una nuova stagione politica e impone alla Russia un'importante svolta al fine di eliminare le ormai arretrate strutture feudali, dando avvio a un rapido processo di svecchiamento. A tal fine lo stesso organizza viaggi in Olanda e Inghilterra, acquisendo direttamente i nuovi principi culturali derivati dall'Occidente.Il suo intento di trasformare la Russia in una grande potenza europea si esprime in particolare in una realizzazione dal forte connotato simbolico: la fondazione di una nuova capitale, Pietroburgo.

Nel 1709 la città comincia a crescere e nel 1712 Pietro il grande dichiara Pietroburgo capitale del regno trasferendovisi con la famiglia. Nel frattempo il forzato processo di edificazione di San Pietroburgo prosegue a ritmi serrati e lo zar impone agli alti funzionari dello stato e all'aristocrazia di trasferirsi nella nuova capitale.Dopo il 1740 Pietroburgo assume il ruolo definitivo di centro della vita di corte. Lo sviluppo dell'insediamento è organizzato per lo più sulla riva sinistra della Neva, dove dal palazzo dell'Ammiragliato si diramano le principali direttrici su cui si organizzerà la crescita urbana.

Bartolomeo RastrelliPalazzo Stroganov,1750-1754 San Pietroburgo.Mentre sotto Pietro il Grande l'architettura è caratterizzata da una razionale sobrietà, durante il regno di Elisabetta (1741- 1757) figlia di Pietro il grande, si assiste a una maggiore esuberanza decorativa.In questo periodo opera nella capitale Rastrelli; a lui si devono il palazzo Stroganov,

la seconda versione del palazzo d'inverno

Il museo occupa in realtà cinque edifici, uno più sontuoso dell'altro: il palazzo d'Inverno, il Piccolo Ermitage, il Grande Ermitage, il Nuovo Ermitage ed il teatro dell'Ermitage
L’Ermitage o Palazzo della solitudine è il museo che Caterina la Grande iniziò a creare a San Pietroburgo a partire dal 1746. Per buona parte è ospitato da quello che noi conosciamo come Palazzo d’Inverno (nella foto), certamente il più famoso edificio imperiale della splendida città russa.

e il monastero di Smolny (1744- 1757), si presenta come una riuscita sintesi tra gli elementi tipici delle tradizioni russe e le tendenze architettoniche dell'età barocca.
L'opera di Rastrelli influenza parecchio la produzione architettonica di questo periodo, finchè, verso il 1760, sotto il regno di Caterina II (1762-1796), l'orientamento artistico muta a favore del Neoclassicismo

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Caterina, è alla continua ricerca di artisti occidentali, in particolare dell'opera degli illuministi francesi, con cui mantiene rapporti epistolari, che numerosi chiama a collaborare. In particolare è il barone Grimm, ministro di Caterina, a condurre Giacomo Guarenghi a S Pietroburgo.L'architetto italiano sarà uno dei più importanti artefici della tradizione neoclassica. Tra le sue opere figurano il teatro dell'Ermitage (1783-1787), direttamente ispirato al teatro olimpico di Vicenza
La personalità della Grande Caterina (l'avevo sospettato)

Giacomo Guarenghi

Il Ponte dell'Ermitage di fronte al teatro.

Progettato come teatro palatino, il Teatro dell'Ermitage venne costruito tra il 1783 ed il 1787 per volere di Caterina la Grande su un progetto di stile palladiano disegnato da Giacomo Quarenghi. Qui sorgeva già una struttura fatta edificare da Pietro il Grande che venne pertanto demolita in quanto vecchia e cadente, anche se alcune tracce di questa vecchia fondazione sono ancora oggi visibili sul pavimento del pian terreno. Il disegno di Quarenghi per il teatro venne realizzato anche su incisione e venne pubblicato nel 1787, consentendogli di riscuotere il successo delle altre corti europee.
La capitale Russa completa la sua fisionomia nei primi decenni dell'Ottocento arricchendosi sempre più di grandi complessi edilizi verso il linguaggio eclettico e il decorativismo aulico in voga verso la metà del secolo.

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Gaetano ha detto...

Cara Rosy, si usa porre ogni stellina per misurare le opere non solo sul web e con questo tuo post a quante stelline siamo? Non lo diciamo, ma sono già ad un livello ragguardevole.

Però sii sempre modesta ed amabile come sei, senza insuperbirti mai.

Guarda, per esempio, la sorte di uno che ebbe tante stelline che non si contano, Pietro il Grande, grazie al quale la Russia ebbe un piedistallo considerevole in seno all'Europa delle grandi potenze. E questo post ne è la dimostrazione. Ecco un grande, tanto da indurre, anni fa, poco prima del 1997, autorevoli di Mosca a erigere per lui una enorme statua. Proprio quelli della città che fu quasi odiata da questo famoso zar di tutte le Russie!

Però su questo monumento di 97 metri, che è al 6° posto, o 7°, tra le statue più alte del mondo, sorgono delle perplessità.

Su wikipedia:

(...) Realizzata su progetto dell'architetto Zurab Tsereteli, concepita per raffigurare Cristoforo Colombo, fu donata agli Stati Uniti d'America nel 1992 in occasione del 500° anniversario della scoperta dell'America. Rifiutata a causa della sua bruttezza è stata "riciclata" come statua raffigurante Pietro il Grande ed è stato, infine, deciso di collocarla a Mosca. La testa del condottiero genovese fu sostituita con quella dello zar, ma le tre caravelle rimasero, lasciano il dubbio sull'accostamento tra esse e Pietro il Grande.

E su un articolo del giornale Repubblica del 1997, assai imbarazzante, e non si fa cenno ai suddetti precedenti americani.

Titolo : TUTTA MOSCA INORRIDISCE PER LA STATUA DI PIETRO IL GRANDE.

Comincia con tanti blà, blà che ometto e inizio da qui:

Nella Mosca sovietica non c'erano monumenti dei Romanov, tantomeno di Pietro il Grande, lo zar delle prime riforme, della modernizzazione, dell'apertura all'Occidente. Crollata l'Urss, mentre da un capo all'altro della nazione rotolavano teste di Lenin e busti di Stalin, le autorità della capitale hanno pensato di rimediare. Il sindaco, Jurij Luzhkov, ha affidato a uno scultore di sua fiducia, il georgiano Zurab Tsereteli, il progetto di una statua di Pietro I.

I lavori sono durati un anno e mezzo, e costati una fortuna, pari a 30 miliardi di lire. Ma solo recentemente, da sotto le impalcature, è sbucata l'opera pressoché conclusa. E immediatamente sono partite le polemiche. Lo zar in formato gigante non è piaciuto a nessuno. "Gulliver, Terminator, il Ciclope", lo ha soprannominato la stampa locale. "Un orribile pugno negli occhi", ha sentenziato la critica, architetti, urbanisti, artisti.

E qui altri tanti blà, blà, sull'autore della scultura in questione, Zurab Tsereteli e sul sindaco di Mosca, Luzhkov, preso per le sue personali questioni politiche, per giungere a quanto ci interessa sul monumento di Pietro I il Grande.

Ora la polemica sulla statua di Pietro il Grande segnala un altro fenomeno: dopo decenni di realismo socialista, il gusto artistico dei russi sta cambiando. Il 60enne Luzhkov appartiene a una generazione che predilige l'arte grandiosa, monumentale, agiografica, tipica del periodo sovietico. Ma i moscoviti più giovani rivelano inclinazioni differenti. L'idea che più una cosa è grande, maestosa, più è bella, non va più di moda. "Vogliamo una città dinamica, moderna", dice il promotore della rivolta, il gallerista Gelman. E del resto, una riproduzione di se stesso alta sessanta metri non sarebbe piaciuta nemmeno allo zar più dinamico e moderno della storia russa: Pietro I, che era "Grande" di statura e di genio, ma aveva il senso delle proporzioni, come dimostra la meravigliosa città che ci ha lasciato. Vedi articolo qui.

Buona domenica, Gaetano. 30 maggio 2010 09.44

Il MONDO IN ESPOSIZIONE(II PARTE.

2011-03-28T13:59:00.015+02:00

La National Gallery - Londra-

Nei primi anni dell'Ottocento sorge a Londra, nel periferico sobborgo di Dulwich, anche la prima vera e propria pinacoteca nazionale inglese.L'evento si rende possibile al momento in cui nel 1811 il Dulwich College eredita sia una collezione di 371 dipinti antichi, per lo più tele del XVII secolo, sia il danaro necessario a erigere la sede per esporli I capolavori erano stati raccolti tra il 1790 e il 1795 da Noel Desenfans, incaricato dal re di Polonia Stanilao Augusto di mettere insieme una galleria nazionale, un progetto che non aveva poi avuto seguito a causa dell'abdicazione e della morte del sovrano nel 1798.

Le complesse vicende di quel nucleo, nel quindicennio che segue si concludono con l'apertura al pubblico, alla fine del 1814, della Dulwich Gallery, realizzata in pochi anni, con sei sale principali affiancate da altre sale più piccole.

Nella seconda metà dell'Ottocento la situazione politico-economica dell'Inghilterra non è promettente; la guerra con la Francia, conclusasi con la disfatta di Napoleone a Waterloo, ha messo a dura prova le finanze del paese.Per tale motivo il governo britannico continua a progettare l'annoso progetto di realizzare una galleria nazionale che equiparerebbe Londra ad altre capitali europee. Nel 1823, Sir George Beaumont, pittore di paesaggi e collezionista, offre la propria raccolta di dipinti al paese a patto che venga esposta in un edificio appropriato. Ma è un altro evento del 1823 che convince la Camera dei lord a realizzare finalmente il grande progetto di una National Gallery: la morte di Julius Angerstein , ricco banchiere passato alla storia come fondatore dei LIoyds, nonchè proprietario di una collezione di dipinti che spazia dal Rinascimento italiano al Seicento inglese.

Se l'intento dei fondatori della Nationaly Gallery di Londra si divide, come altrove, tra immagine e politica e funzione educativa, tale obiettivo viene perseguito con maggior concretezza in area tedesca.Qui la progettazione di edifici per i nuovi musei ha maggiore sviluppo che in altri paesi - in Francia e in Italia il fenomeno dell'architettura museale tarderà a decollare -e nasce fin dall'inizio con un'impostazione strettamente finalizzata a ottimizzare la fruizione del pubblico, integrando architettura, decorazione e disposizione delle opere d'arte.Ludwig I, fin dal 1806 progetta di costruire una galleria pubblica di scultura a Monaco. In quell'anno la città è diventata capitale del regno di Baviera, istituito da Napoleone, e Maximilian Joseph I, padre di Ludwig, ne è il sovrano. L'idea della galleria prende consistenza nel 1812, l'anno in cui il principe riesce ad acquistare le magnifiche sculture del frontone del tempio di Egina. Per la loro collocazione è ora necessario un edificio appropriato. Fra il 1813 e il 1816 vengono redatti vari progetti, quello firmato da Von Klenze, suscita l'entusiasmo del principe Nello stesso 1816 ha inizio la costruzione della Gliptoteca ( il nome si deve al bibliotecario di corte Lichtenhaler) L'edificio completato nel 1830, comprende una seguela di sale ordinate in senso cronologico, con una scansione tale da offrire al pubblico la possibilità di seguire l'evoluzione dell'arte dall'epoca egizia a Canova, Thorwaldsen e altri scultori neoclassici.

Nel 1822 Ludwig affida a Leo von klenze la progettazione di un altro museo la Alte Pinakotkek di Monaco, costruita tra 1826 e il 834 in stile neorinascimentale. La posa della prima pietra avviene il 6 Aprile, giorno della nascita di Raffaello; lo stile è cinquecentesco, in tono con quello della Konigsbau, edificio annesso al museo che cita espressamente il fiorentino palazzo Pitti, Ludwig, nel frattempo salito al trono, invita Von Klenze a ispirarsi per le decorazioni interne del museo agli affreschi di quella Reggia italiana. ma l'architetto opta per ornamenti meno pompose, da lasciare maggiore visibilità ai dipinti, tutto è finalizzato a consentire al visitatore una percezione visiva ottimale.Le opere sono ancora una volta disposte in senso cronologico e raggruppate per scuole pittoriche.

Negli stessi anni a Berlino tra il 1825 e il 1830, karl Friedrich Sechinkel dirige la costruzione del grande museo reale voluto dal re Federico Guglielmo III, l'odierno museo Altes Museum ( cioè "Vecchio Museo", cosi denominato dopo il 1843,quando gli allievi di Schinkel ne costruiscono un altro) Schinkel progetta L'Ates Museum, la pianta è semplice e regolare ma grandiosa, con le sale disposte lungo il perimetro dell'edificio e un atrio di colonne che precede una rotonda centrale simile al Pantheon, destinata all'esposizione dei capolavori più preziosi, vero sacrario del tempio
nell'arte Se l'impostazione architettonica dell'Altes
Museum è di fatto ancorata a stilemi neoclassici, la sua ragion d'essere è infatti già ampiamente romantica. poichè Schinkel la concepisce aderendo al concetto di sacralità dell'arte promosso dal nuovo idealismo tedesco e all'idea di museo come luogo di elevazione spirituale dell'uomo.

Rotonda centrale dell'Ates Museum

L'essenza delle cose penetrare vorrei...

L'essenza delle cose
penetrare vorrei
sino a fugare
il dubbio che popola
le mie notti e i miei giorni.

Le radici delle cose
raggiungere vorrei
fino a comprenderne
le intime ragioni
e appagare l'anima.

La ricetta della Passione
se potessi scriverei.
I suoi ingredienti
in poche righe
da regalare fisserei.

Il principio coglierne vorrei
per svelare la sua legge.
Il suo nettare offrirei
come ineffabile cibo
per le anime e le menti.

Come rose nel giardino
versi pianterei
in cui effondere
il sentore della rugiada
l'alito della brezza mattutina.

Il prodigio della Natura
in essi incoccherei
quale dardo teso
verso il bersaglio
dell'Eternità.

Annarita Ruberto

Il Primo Neoclassicismo

2011-03-25T11:03:00.005+01:00

Miti greci e utopie

La posa della prima pietra della Reggia di Caserta

Affresco di Gennaro Maldarelli- dipinto murale a tempera, 1845
Sala del trono.

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Giovanni Paolo Panini.Rovine romane con resti di un tempio ionico-1749, Roma-Galleria dell'accademia San Luca.

Sul finire dell'Ottocento gli storici cominciano a definire con il termine Neoclassicismo la tendenza, che caratterizza la seconda metà del Seicento e i primi due decenni del secolo successivo, a valutare la civiltà greca e romana come modello di vita valido per tutte le esperienze umane. Circoscritto sopratutto nell'ambito delle arti applicate, identificato come uno stile della decorazione, esso finisce per indicare una produzione considerata ormai negativamente.I caratteri distintivi del neoclassicismo si possono rintracciare, invece, seguendo il filo della rinnovata fortuna del classico e dell'antico quali motivi peculiari della grande tradizione italiana.

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Jakcob Philipp

Il Giardino Inglese della reggia di Caserta 1792

Nel Settecento nè il termine Neoclassicismo nè il termine Classicismo sono usati per indicare il nuovo stile; i critici e gli artisti lo chiamano semplicemente il "vero stile" e ne parlano come di un " risorgimento" delle arti,considerandolo come nuovo Rinascimento, dopo un lungo periodo di decadenza rappresentato dall'arte barocca e rococò. Gli studi più recenti, identificano il Neoclassicismo come l'espressione artistica di un'epoca di profonde trasformazioni nel campo della scienza e della tecnica, di rivoluzioni politiche e sociali che hanno davvero cambiato il corso della storia, cancellando consuetudini e istituzioni immutabili da secoli.

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Fontana di Diana e Atteone particolare, 1769, Caserta Reggia.

I governi "illuminati"

In Europa è sopratutto l'Italia ad attraversare, tra il 1748 e il 1796, anno della conquista napoleonica, un lungo periodo di pace. Questa fase favorisce una rinnovata visione del mondo e della società resa esplicita dalle riforme realizzate negli Stati retti da governi "illuminati" che s'ispirano agli ideali progressisti dell'Illuminismo.Nel mecenatismo pubblico, che è legato sopratutto ai cantieri di corte, risalta, per l'intima convinzione e per la qualità dei programmi realizzati, Carlo III di Borbone: ricorrendo a Luigi Vanvitelli e Ferdinando Fuga, egli avvia un vero e proprio processo di modernizzazione che porterà la citta di Napoli ad assumere pienamente, anche dal punto di vista monumentale, il ruolo di capitale europea.

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Fontana di Diana e Atteone,particolare

Nel 1751 Carlo di Borbone chiede a Benedetto XIV di potersi avvalere della maestria dell'architetto Luigi Vanvitelli per realizzare la

reggia di Caserta, che nel progetto originario doveva costruire una nuova città, collegata a Napoli, in grado di rivaleggiare con Versailles. Il concetto della grande opera è illuminista, alla radice, in quanto viene considerata una dimostrazione della capacità dello stato di far fronte al pubblico benessere, mediante interventi eccezionali come la realizzazione di opere pubbliche, fonte di occupazioni protratta nel tempo.

Nelle intenzioni del monarca la reggia doveva soddisfare le funzioni politiche, amministrative, militari e culturali proprie di una nuova capitale. Il pensiero assolutistico settecentesco trova attuazione anche a livello di organizzazione planimetrica, come dimostra la distribuzione interna della reggia, ispirata ai medesimi principi di regolarità e simmetria che viene adottata anche per il parco, parte integrante del complesso.

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Percorrendo la superba galleria d'accesso del palazzo si giunge al centro del vestibolo inferiore e girando lo sguardo sulla destra si può ammirare il maestoso e superbo Scalone d'Onore, composto da una grande rampa centrale che poi risvolta in due rampe parallele,con 116 gradini, tutti tagliati in unico blocco di pietra "lumachella di Trapani". La rampa centrale dello scalone viene dominata dalla statua della Maestà Regia seduta su un leone che simbolicamente rappresenta re Carlo III. Ai lati si vedono le statue del Merito e della Verità. Nel grandioso progetto della reggia di Caserta Vanvitelli supera il linguaggio tardobarocco in favore di una disciplina architettonica di forme sobrie e rigorose.Vanvitelli progetta un immenso edificio rettangolare, con quattro cortili simmetrici, dove, valicata la soglia austera, si accede al grandioso atrio, movimentato dal gioco dei piani inclinati delle scale.Chiamato a Napoli, nel 1751 dal re Carlo III di Borbone,Vanvitelli vi giunge carico dell'esperienza romana come architetto di San Pietro.

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L'uso dell'ordine gigante, proveniente dalla tradizione classica caratterizza non solo la facciata, ma anche gli ampi spazi rappresentativi ai quali si aggiungono il fascino dei diversi tipi di marmo e la continua variazione delle singole forme decorative.

Strettamente connesso al palazzo è il parco,terminato da Carlo Vanvitelli, figlio di Luigi, che costituisce lo spazio privilegiato di una vera e propria azione teatrale, rappresentata da una serie di favole scolpite, ispirate ai temi della mitologia classica e collegate da un preciso programma iconografico.Il percorso corre, attraverso i miti di Diana e Atteone, Cerere, Giunone, e Eolo, dalla grande cascata fino alla reggia, lungo una sorta di strada - fiume, alimentata dall'acquedotto carolino.

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Giovan Battista Lusieri, Il palazzo Reale di Caserta,

fine del XVIII, collezione privata.

Luigi Vanvitelli

Figlio del vedutista olandese Gaspare Van Vittel, Luigi Vanvitelli nasce a (Napoli,1700-Caserta 1773) si forma a Roma assimilando la lezione classica, derivata dallo studio dei modelli antichi, non disgiunta da quella del tardo Seicento romano La fama e la diffusione delle sue opere ne fanno il rappresentante per eccellenza della prima riforma classicista europea, nel suo quadro si distingue per la pragmatica ricerca di un linguaggio architettonico equilibrato è rigoroso, nel quale fonde con disinvoltura elementi della tradizione antica e di quella rinascimentale e barocca da cui deriva il gusto scenografico che caratterizza le opere della maturità. E' da ricordare anche la mentalità funzionale e tecnica di Vanvitelli. Tecnica che si rivela nell'organizzazione e nel controllo del cantiere e nella disciplina dell'artigianato edilizio, ma sopratutto nell'ingegneria idraulica, dove si segnala come valente esperto.

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Il Mondo In Esposizione(I Parte

2011-03-19T23:01:00.003+01:00

Arte, Tecnologie e Costume a Confronto

Nel 1851 apre i battenti a Londra la Great Exhibition of Worrks and Industry of all Nations, la prima vera
manifestazione a carattere internazionale pensata come esposizione di manufatti provenienti da tutto il mondo.

Il principe Alberto, consorte della regina Vittoria, presidente della Royal Society of Arts Manufactures dal 1847, contribuisce all'organizzazione di tre grandi esposizioni tra il 1847 e il 1849, ma la sua Society si occupa di manifestazioni del genere fin dal 1756.
Il principe istituisce una Commissione reale e promuove una sottoscrizione pubblica, a cui partecipano molti industriali ma anche alcuni rappresentanti dei lavoratori.
L'Inghilterra è notevolmente avanti nell'organizzazione del lavoro industriale e, alla metà de XIX secolo, si presenta come la nazione più economicamente potente e prospera di tutta Europa.

La sede della manifestazione viene costruita in pochissimo tempo, in Hyde Park su progetto di un architetto autodidatta, di professione giardiniere: Joseph Paxton. Il successo dell'evento è immediato: il giorno dell'apertura cinquecentomila persone attendono fuori dall'edificio di Paxton, detto Crystal Palace in virtù della sua struttura di ferro e vetro, ansiosi di visitare la grande Esposizione.(stampa d'epoca)

Prosper Lafaye- 1851-1881-Londra-

Victoria and Albert Museum

I quadri e le stampe del tempo ricordano l'umanità varia che attraversa le sale della Great Exhibition,testimoniando, naturalmente anche il passaggio della famiglia reale, che visitano il padiglione indiano.

L'indiscutibile successo commerciale dell'evento genera immediatamente una serie di proposte simili,in tutta Europa e negli Stati Uniti. Segue l'esempio inglese New York nel 1853 e poi la Francia, che nel 1855 organizza, sulla scorta di iniziative minori nate a partire dal 1798, la prima Esposizione universale parigina. Da allora la grande macchina delle esposizioni internazionali non si ferma più, almeno fino allo scoccare del nuovo secolo.

Louis Beroud

Il padiglione centrale dell'Esposizione Universale

del 1889

Parigi- Musèe Carnavalet.

Le esposizioni universali diventano uno straordinario mezzo di propaganda e non sono mai fini a se stesse: esse sono l'espressione dell'indirizzo politico ed economico della nazione che le ospita e organizza.

Ogni occasione sembra giustificarle dalla celebrazione dell'unità nazionale negli Stati Uniti ai festeggiamenti per i cento anni della Rivoluzione francese.
A differenza di Londra che è esplicitamente motivata da ragioni economiche, ben più che ideologiche o politiche; gli organizzatori della manifestazione sottolineano in più occasioni il valore positivo della libera concorrenza e della promozione del commercio e la necessità di abolire i dazi doganali. Del tutto diverso è l'intenzione dell'esposizione Newyorkese del 1853, con la quale, in un momento di forte tensione tra stati del nord e stati del sud,si vuole affermare la superiorità dell'imprenditoria nordista
sull'oligarchia agraria e schiavista del sud

La grande esposizione viennese del 1873, è l'occasione per confermare

il ruolo politico di un impero pesantemente indebolito dalle sconfitte militari

e dalla scissione dell'Ungheria. Più emblematico è il caso di Parigi che, se nel

1855 celebra l'affermazione del Secondo Impero, nel 1878 cura le ferite della

sconfitta nella guerra prussiana, della caduta del regno di Napoleone III e del

sanguinoso epilogo della comune di Parigi.
L'Italia ancora frantumata in piccoli stati dovrà attendere l'unità per organizzare
la propria Esposizione Universale, sebbene in alcune manifestazioni regionali, come
quella ospitata a Torino nel 1858, siano già presenti alcuni espositori stranieri.

Panorama dell'Esposizione di Parigi del 1878 in una stampa d'epoca.

La macchina delle esposizioni universali ha ingranaggi complessi, che oggi è possibile ricostruire e comprendere grazie ai numerosi cataloghi, articoli, alle guide sul tema, ai resoconti dei visitatori più attenti.

Dall'analisi del fenomeno delle esposizioni internazionali esce uno spaccato di vita del tempo, un colorato mosaico di arte, tecnologia, sperimentazioni scientifiche, moda e costumi.

Macchina motrice verticale della ditta Powel di Rouan vincitrice di una medaglia d’oro nel corso dell’Esposizione Universale del 1867 a Parigi.(stampa d'epoca)

Al rinnovamento delle arti minori partecipano le nuove scoperte scientifiche, come l'invenzione della galvanoplastica, che nobilita i metalli poveri rivestendoli con un uno strato sottile dorato o argentato. La sezione dedicata alle macchine, occupa uno spazio di riguardo all'interno dell'esposizioni universali.Ma ad attrarre l'attenzione degli spettatori sono anche oggetti di altro genere, ad esempio il pallone frenato di Henri Giffard

all'esposizione universale di Parigi, nel 1878, è in grado di trasportare a cinquanta metri di altezza una cinquantina di persone, o come invenzioni destinate a un grande futuro: il fonografo di Edison, il telefono di Bell, la macchina da scrivere, il fornello a petrolio per uso domestico di Besnard e Maris, il motore a quattro tempi, i nuovi modelli di automobile, la pila di Volta e i coloranti all'anilina.

Cannone in acciaio della ditta Krupp di Essen, Prussia. Questo cannone, per via del peso di 50 tonnellate, ebbe bisogno della realizzazione di un carro ferroviario apposito per essere trasportato L'Esposizione Universale del 1867 a Parigi.
Alfred Krupp decide di partecipare alla prima edizione londinese per far fronte alla pericolosa concorrenza delle industrie inglesi. La krupp mette in mostra giganteschi cannoni, il più famoso esposto nel padiglione della Prussia all'esposizione di Parigi nel 1855, viene acquistato da Napoleone III che lo impiega a Vincennes: frutterà ad Alfred Krupp la
Legione d'onore di Francia (stampa d'epoca)

Joseph Paxton, architetto del Cristal Palace, di professione fa il giardiniere e si occupa di divulgazione scientifica sul tema della botanica la quale, riveste un ruolo di rilievo nell'universo delle esposizioni:cattura l'interesse del pubblico, assetato di esotismo. Allo studio attento scientifico si coniuga sempre la curiosità del visitatore medio, che attraverso queste sezioni sperando di respirare chissà quali misteriose e conturbanti atmosfere esotiche.( Interno della serra di Dormois nel jardin rèservè dell'esposizione di Parigi 1867) Stampa d'epoca.

Le sezioni del Medio e dell'Estremo Oriente costituiscono per gli europei una fonte inesauribile di novità, in grado di suggerire nuovi e inaspettati modelli estetici che subito vengono tradotti con una grammatica occidentale e piegati alle ragioni del design e delle arti decorative. Si diffonde cosi la moda del giapponismo, che imperverserà in Europa, con esiti eterogenei, per tutta la seconda metà del secolo.L'Egitto invece, perso il ruolo del modello figurativo che aveva avuto nella seconda metà del XVII secolo, suscita un interesse per lo più di tipo scientifico, con particolare popolarità negli anni della costruzione del canale di Suez (1859-1869) Ben poco scientifico è però la consuetudine di allestire La "via del Cairo" un attrazione di grande successo che si ripeterà in più edizioni (da Parigi, Chicago, da Berlino a Milano) che prevedeva la ricostruzione di una stradina araba con mercanti, fachiri e donne velate: una lettura distorta del mondo mediorientale che si protrarrà fino ai nostri giorni ( Sezione dedicata all'India nel Crystal Palace di Londra. Stampa d'epoca)

Padiglionedell'istmo di Suez in mostra a Parigi nel 1867 ( stampa d'epoca)

la Great Exhibition di Londra aveva escluso la pittura dalle sale della mostra: essa" ( ...) trasfonde sulla tela un ordine di studi, di soggetti, di passione (...) estranei all'industria)", spiega a questo proposito la commissione organizzatrice dell'evento.

La pittura viene accolta all'Esposizione universale tenutasi a Parigi nel 1855:

si tratta di una decisione non priva di sfumature polemiche verso l'Inghilterra, tesa a ristabilire la superiorità francese in ambito culturale.

Napoleone III firma un decreto che recita:

" Considerato che l'esposizione universale è uno dei mezzi più efficaci di contribuire al progresso delle arti (...) che il perfezionamento dell'industria hanno finora riservato alle opere d'arte uno spazio insufficiente (...), spetta sopratutto alla Francia, la cui industria tanto deve alle belle arti, di assegnar loro nella prossima Esposizione universale il ruolo che meritano": un vero e proprio proclama della superiorità francese.

L'esclusione dell'arte è un'eccezione tutta inglese: già nel 1853 a Dublino e nello stesso anno a New York la pittura ottiene una propria sezione, per acquisire un'importanza straordinaria nelle edizioni francesi.

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Post abbastanza lungo per narrare in breve uno spaccato di vita molto importante e bello di un secolo di cammino dell'umanità. Vivere nel presente, proiettandosi nel futuro è essenziale per continuare a camminare e crescere tutti insieme. Ma dare uno sguardo al passato è ancora più importante -Un popolo che dimentica il passato e un popolo senza futuro.- Buona Settimana a tutti. Rosaria. (E pensare che non sapevo nulla di tutto questo) Stampe d'epoca e notizie riportate dal libro - La Storia dell'Arte

Gaetano ha detto...
Cara Rosy, l'edificio di Paxton, detto Crystal Palace, che apre la tua disamina sulle grandi iniziative del XIX secolo per l'esposizione di manufatti provenienti da tutto il mondo, mi solletica non poco per intervenire e aggiungere delle cose assai utili a sapersi.
È il lato ingegneristico, e non tanto il mondo delle Belle Arti, che fa da background alla novità del XIX secolo, un fatto rilevante che domina le nuove rivoluzionarie concezioni dell'arte edificatoria da quel momento in poi.
Sono cose che mi sono particolarmente care, essendo stato un buon progettista autodidatta di strutture e impianti industriali e particolarmente di macchine robotizzate. Giusto un simbolico parallelo con quel valente progettista del Crystal Palace, l'architetto, Joseph Paxton, autodidatta pure lui.

Si tratta del modo con cui il secolo XIX apre alla modernità che consisteva nel rappresentare la relativa storia non per mezzo di una costruzione astratta, ma come «commento a una realtà» (Tiedemann, 2000, p. XIII).

L'idea è di adottare, nella storia, il principio del montaggio, ovvero di erigere, insomma, le grandi costruzioni sulla base di minuscoli elementi costruttivi, ritagliati con nettezza e precisione. È l'avvento della prefabbricazione che solo nel tardo '900 si realizza nella sua pienezza.

L'opera di Paxton, detto Crystal Palace, consisteva in una struttura di ferro e vetro lunga 1848 piedi e larga 408. Il fatto che sia la struttura in ferro sia i pannelli in vetro fossero prefabbricati e intercambiabili abbreviò moltissimo i tempi della realizzazione, soltanto sei mesi circa. Un unico grande padiglione ma di un'estensione di 19 acri; struttura effimera, fu smontata all'indomani dell'esposizione e trasportata a Sydenham, un suburbio di Londra – esempio di architettura di breve durata tipica per un lungo periodo delle esposizioni.

Il titolo per esteso dell'esposizione, dunque il suo contenuto, fu The Great Exhibition of the Works of Industry of all Nations ed ebbe luogo in Hyde Park, come già detto.
Il nome è importante perché dichiara fin dall'inizio i suoi obiettivi: non solo una manifestazione artistica ma anzi, soprattutto, la prima dedicata ai prodotti, alla merce, oltre che al commercio e alle relazioni internazionali e al turismo. Dunque una chiara manifestazione della nuova classe emergente, la borghesia, che ha come scopo quello di raggiungere una massa di pubblico sempre più ampia per mostrare – si potrebbe aggiungere: con eventi spettacolari – il progresso della nuova epoca, quello della città moderna. Il potere politico, testimoniato dalla competizione-rivalità degli Stati e dal tema del colonialismo, e il potere economico, esplicitato dal volume del mercato degli affari, sono assolutamente in mostra in tutte le esposizioni. Fonte:

Il Simbolismo

2010-09-26T00:18:00.057+02:00

"L'uomo che dipingeva i suoi sogni" Marcel Proust.

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Il Simbolismo si sviluppò in Europa nell’ultimo scorcio del diciannovesimo secolo e nei primissimi anni del successivo.

Più che un un gruppo o una scuola , è un movimento, un'atmosfera che abbraccia pittori e letterati di estrazione diverse, uniti dal disprezzo per il Positivismo e il progresso tecnologico e dalla volontà di ristabilire il primato della sfera spirituale.

Quello del Simbolismo è un'estetica difficile che affonda le sue radici nel Neoplatonismo, nelle scienze occulte e nelle dottrine mistiche. In tutta Europa si assiste alla diffusione di questo stato d'animo, che provoca una sorta di rigurgito romantico, un fenomeno evidente in arte e letteratura e anche in filosofia, musica teatro e arti minori. Il legame tra Simbolismo letterario e pittorico e correnti filosofiche è in realtà inscindibile. Un testo quale come volontà e rappresentazione di Schopenhauer, che opera una distinzione tra l'essere e l'apparire, e accolto in Francia con grande entusiasmo proprio dagli ambienti vicino al Simbolismo.Gli stessi artisti simbolici e i teorici del movimento individuano i loro percussori in alcuni artisti già attivi alla metà del secolo. In Francia tra i nomi più citati il primo

è quello di Gustave Moreau, del diciannovesimo secolo, allievo di Picot all'Ecole des Beaux-Arts di Parigi. Sebbene i suoi primi quadri ottengono un buon successo al Salon, l'artista avverte ben presto di approfondire il linguaggio accademico mescolandolo con suggestioni romantiche, per ottenere un risultato drammatico e toccante.Tra 1857, e il 1959 l'artista soggiorna in Italia, studia a Roma, Firenze e Venezia. Gli effetti degli studi italiani uniti all'Ecole des Beaux-Arts, si evidenziano nelle tele dipinti nei primi anni sessanta.
Edipo e la Sfinge 1864-New York-Metrpolitan Museum of Art Ad e Orfeo. Saranno queste due tele ad affascinare i surrealisti, eleggendolo a modello.

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DENTRO AL CAPOLAVORO

Gustave Moreau, è stato un'artista fuori dagli schemi, vicino agli ambienti accademici ma al contempo autonomo e originale , è sempre attentissimo al dettaglio. Moreau in questa tela cita liberamente la tradizione: lo sfondo, per esempio, tradisce la lezione di Leonardo da Vinci. La scelta dell'episodio, lo stile l'atmosfera incantata, l'ambiente e la gamma cromatica testimoniano la complessità dell'opera.

Orfeo, personaggio complesso, eroe e vittima, assai vicino alle figure mitiche, come Promoteo o Edipo entrate nella letteratura simbolica in virtù del loro profondo valore allegorico.
Orfeo cantore e poeta, viene ucciso dalle Baccanti per aver rifiutato il loro amore. Orfeo è un personaggio assai caro all'arte e alla letteratura di Otto e Novecento. L'interpretazione di Moreau è molto originale ed esula dalla tradizione pittorica dell'epoca. Se altri artisti si concentrano sul momento drammatico dell'uccisione del giovane, Moreau preferisce ritrarre una scena meno usuale quella del ritrovamento da parte di una fanciulla tracia della testa e della cetra del poeta, gettate in un fiume dalle Baccanti.

Raffinatissimo il dettaglio dei pastori che suonano sulla roccia, in secondo piano, presenze che arricchiscono la scena di magia e si ha come la sensazione di un limbo senza tempo.

Il particolare della cetra è splendido! divenuto tutt'uno con la testa del poeta, in un'unione altamente simbolica con la propria arte, che ne renderà eterno il ricordo.
Orfeo, personaggio complesso, eroe e vittima, assai vicino alle figure mitiche, come Promoteo o Edipo, entrate nella letteratura simbolica in virtù del loro profondo valore allegorico.
Orfeo cantore e poeta, viene ucciso dalle Baccanti, per aver rifiutato il loro amore. Orfeo è un personaggio assai caro all'arte e alla letteratura di Otto e Novecento. L'interpretazione di Moreau è molto originale ed esula dalla tradizione pittorica dell'epoca. Se altri artisti si concentrano sul momento drammatico dell'uccisione del giovane, Moreau preferisce ritrarre una scena meno usuale quella del ritrovamento da parte di una fanciulla tracia della testa e della cetra del poeta, gettate in un fiume dalle Baccanti.

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Recentemente riscoperto Pierre Puvis de Shavannes è un'altra personalità chiave per lo sviluppo dell'arte, non solo quella di ambito simbolista. Nato nel 1824, scopre la propria vocazione artistica in un viaggio in Italia, tornato in Francia si iscrive prima ai corsi di pittura di scheffer, in seguito a quelli di Delacroix , infine per alcuni mesi frequenta l'atelier Couture maestro anche di Edouard Manet.Artista attento agli aspetti tecnici, per migliorare l'esito finale dell'opera e conferirgli un aspetto simile a quello di un affresco, l'artista stende sulla tela uno strato di gesso e colla, per per poi dipingervi con colori poco oleosi. Sono caratteristiche che la monumentalità dei progetti decorativi esalta e che fanno di Puvis uno dei pittori più richiesti per questo genere di interventi. Suoi sono alcuni dipinti che decorano il Pantheon e l'Hotel de Ville di Parigi. A questa importante produzione Puvis affianca opere da cavalletto, meno spettacolari ma altrettanto interessanti. Una delle sue tele più celebri è Il pescatore povero.

Pierre Puvis. Fanciullo in riva al mare, 1881, Parigi, Musèe d'Orsay.
L'artista ritrae uno scorcio di vita quotidiana, simbolo di un tema ben più ampio e universale, sorta di meditazione sul concetto di miseria. Dove, la cruda realtà di un istante si colora di sfumature filosofiche . Allo stesso modo è significativa per la comprensione dell'opera di questo pittore fuori dal comune.

Fanciulle in riva al mare di Pierre Puvis, 1879 Parigi, Musèe d'Orsay

Tela di dimensioni riguardevole. 205 per 154 cm. Semplicissima nella composizione, si respira tutta la modernità del suo stile.
Un'atmosfera serena ma sospesa, quasi cristallizzata, permea la scena e avvolge i corpi statuari delle tre donne estraendole totalmente dalla realtà e circondate da un alone di mistero, la bidimensionalità della composizione, l'incantevole poeticità dell'insieme ben testimoniano le novità del linguaggio di Puvis, artista che sfugge decisamente a ogni definizione.
La lezione di Puvis sarà preziosissima per le avanguardie artistiche di inizio secolo.

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Odilon Redon nato nel 1840, approda alla pittura già trentenne, pur avendo dimostrato in passato notevole talento artistico. Nella prima fase della sua attività artistica esegue per lo più disegni a carboncino.
Raffinato intenditore d'arte, ancor prima che artista, Redon si avvicina al colore
con lo stesso spirito cui tratta il segno grafico, creando immagini misteriose, sospese in una sorta di eternità onirica, struggenti e simboliche.
Gli occhi chiusi offre una notevole testimonianza delle opere
a olio e a pastello, eseguite in questa nuova fase. Odilon Redon, è tra i più diretti precursori del Simbolismo.

Gli occhi chiusi, 1890, Parigi Musèe d'Orsay

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Offre il suo contributo alla nascita del Simbolismo in pittura anche Eugene Carrière, artista che ai suoi tempi gode di notevole fama e apprezzato. La sua produzione verte esclusivamente su un unico soggetto, la maternità, ispirata da modelli famigliari, sua moglie e i suoi cinque figli. Il suo stile, molto personale è caratterizzato da una tavolazza, quasi monocroma sui toni bruno, da un tocco rapido e sfumato.
La sua ricerca, incentrata su personalissime convinzioni spirituali, intende trasformare l'esperienza individuale in simboli universali.

Studente presso l'Ecole des Beaux-Arts di Parigi nel 1870, è stato dopo la Franco Prussiana studente dell'Accademia di Cabanel, 1823-1889, il cui più famoso dipinto, La nascita di Venere, 1863 Musée d'Orsay di Parigi, ma è riuscito a liberarsi velocemente dalle influenze che gli aveva dato uno stile che si mescolavano con i colori ricchi di Rubens e Velasquez, per andare da questo e penetrare in una dolce poesia che ha segnato tutta la sua opera, in particolare dalla metà degli anni Ottanta.

La famiglia di Eugene Carrière

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Pensiero.

Nasce tremulo,
incede esitante.

Si ferma un istante,
poi avanza sicuro.

Si libra lieve e ineffabile,
irraggiungibile e inafferrabile,
là dove non ci sono confini.
Annarita Ruberto

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Annarita ha detto...

Gustave Moreau assume indubbiamente,nel panorama artistico francese della seconda metà dell’ottocento,una collocazione assolutamente nuova e personalissima. Con la sua adesione al Simbolismo, dopo gli esordi classicheggianti, rinnega definitivamente la sensibilità e la cultura ottocentesche,ancora cariche di realismo, riuscendo a declinare i temi del gusto simbolista in maniera del tutto originale.

La sua pittura è raffinata,ricca di simbologie ed esplora con sensibilità quelle suggestive ed intime regioni della coscienza umana che fino ad allora erano rimaste sempre escluse da qualsiasi indagine artistica.

Il capolavoro "Giovane Tracia recante la testa di Orfeo" è unico nel suo genere. Risente indubbiamente delle suggestioni leonardesche...mi viene in mente il paesaggio de " La Vergine delle Rocce", conservato al Louvre e che ho visto dal vivo. Ma poi si stacca da tutto ciò che è precedente per interpretare il tema di Orfeo in modo unico e originale, come da te descritto nel post.

Un articolo superbo, Rosariella. Ti ringrazio di aver voluto inserire il mio breve componimento poetico adolescenziale in un contesto così straordinario.

Grazie per la vostra attenzione.
Maria Rosaria Di Lella.

Alle radici dell'arte contemporanea.

2010-06-21T15:10:00.011+02:00

Vincent van Gogh.
I girasoli, 1888, Londra.
National Gallery

Nel 1886 è un anno chiave per l'arte a Parigi, all'epoca indiscussa capitale della scuola europea.

Il pointilliste contribuisce alla nascita di nuove linguaggi per i futuri sviluppi della creazione artistica. Lo stile originale di Paul Cèzanne, si diffonde sempre di più con esiti sempre più notevoli, diventando punto di riferimento per le nuove generazioni, da Paul Gauguin, che è ancora alla ricerca di un proprio linguaggio artistico ma già interessato a una pittura sintetica, altamente simbolica.

In quel periodo lavora a Parigi Herri de Toulouse-Lautrec, personaggio entrato nella leggenda in virtù della sua breve e romanzesca biografa , sensibile cantore delle notti parigine e abile inventore di manifesti pubblicitari di sorprendente modernità. Nel 1886 giunge anche Vincent van Gongh e il suo linguaggio unico lascerà un segno profondo sulla scena europea , gettando i semi per la nascita dell'Espressionismo che di li a breve sconvolgerà gli ambienti artistici francesi e tedeschi.

Gli Espressionismi non sono facile da etichettare, sono artisti liberi da ogni appartenenza di gruppo.

Questi nuovi artisti esprimono un nuovo modo di vedere e di sentire. L'arte non è più un fatto retinico e ne si limitano a registrare la realtà esterna, le impressioni del vero, l'artista si guarda dentro, cercando in se stesso le risposte, trasforma, traduce le informazioni che l'occhio gli fornisce, arricchendole o semplificandole, una nuova epoca sta nascendo Il "grande occhio" di Monet di catturare le impercettibili variazioni del vero, non basta più. L'espressione ha gia superato l'impressione, il tempo delle avanguardie è ormai vicino.

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La breve vita di Henri de Toulouse-Lautrec, ha il sapore di un romanzo e si presta come poche altre alla narrazione. Anche questo aspetto ha contribuito alla fama degli artisti che meglio incarnano l'immaginario comune della vita di Parigi. Al di la delle luci e delle ombre del suo personaggio, Toulouse è pittore di altissimo livello, straordinario ideatore di cartelloni pubblicitari assai moderni e opere a stampa che presentano innovative soluzioni grafiche. Nato nel 1864, da una famiglia nobile, comincia a dipingere a seguito dell'immobilità forzata dovuta alla salute cagionevole, un'osteogenesi imperfetta di natura genetica che gli procura frequenti fratture ossee e bloccherà la sua crescita a 150 centimetri di altezza. Nel 1886 si trasferisce a Parigi, l'indipendenza economica segna anche l'avvio di una brillante quanto breve, carriera di artista. Ammiratore di Degas egli si dedica sopratutto a scene di vita quotidiana nella Parigi notturna. Se i temi sono affini a quelli di Degas, l'aproccio è diverso. All'occhio distacato del maestro impressionista si sostituisce quello sensibile di Henri Toulouse. Per capire la differenza tra i due sguardi, è sufficiente confrontare le opere di Degas alla toilette femminile e uno degli oli più noti di Toulouse. La toilette nella prima immagine si ha l'impressione di spiare nella serratura, nella seconda a dispetto della posizione di spalle del soggetto l'atmosfera e quella di una serena complicità tra pittore e modella. Pochi artisti hanno saputo ritrarre con un'incantevole immediatezza la vita quotidiana. Il letto è una vera istantanea di disarmante verità colta senza alcuna malizia in grado di suggerire la complessità di tutta una vita, nel breve spazio di un foglio.

I suoi manifesti hanno fatto storia, uno dei più famosi , Moulin Rouge, La Goulue, inaugura una nuova era , la grafica pubblicitaria. Il manifesto ottiene subito un gran successo e introduce alcune novità, la scritta in rosso che ricorda un'insegna, con la soluzione grande della M e la ripetizione delle parole, la distorsione prospettica dello spazio, i globi delle lampade a gas, l'idea del pubblico disposto a semicerchio. Henri de Toulouse coniuga suggestioni diverse, mediando la semplicità e la stilizzazione delle stampe giapponesi- elemento fondamentale per la comprensione dell'opera dell'artista-.Toulouse, inizia a interessarsi di litografie nel 1891, in dieci anni ne creerà più di 360 che testimonia l'impegno dell'artista in questo settore. Per Lautrec l'opera grafica costituisce un vero e proprio completamento dell'opera dipinta. A tanta originalità non corrisponde un reale apprezzamento da parte della critica e del pubblico, che non comprende le novità introdotte dall'artista.Toulouse, morirà a soli trentasette anni di sifilide.

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Paul Cèzanne. Il padre dell'arte moderna
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Paul Cèzanne.

Mele e arance-1895-1900

Parigi, Musèe d'Orsay

Le mele fanno la loro comparsa nell'opera di Cèzanne negli anni settanta e diventano, negli anni successivi, uno dei soggetti più frequentati dell'artista. Lo stile di Cèzanne nel dipingere i frutti ha incantato critici e scrittori, noto è, il giudizio della scrittrice Virginia Wolf che osserva come quanto più si guardi le mele di Cèzanne, tanto più le mele sembrano diventare più rosse e rotonde e più verdi e pesanti il loro pigmento stesso sembra sfidarci, toccare qualche nostro nervo, stimolare, eccitare suscita in noi parole dove non credevamo che parole esistessero, suggerisce forme dove prima non vedevamo che vuoto.
In questa meravigliosa tela nulla è lasciato al caso, gli oggetti e i frutti sono disposti nello spazio secondo angolazioni diverse, lungo una direttrice diagonale, offrendo un'equilibrata ma assai complessa molteplicità di punti di vista.

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Paul Cèzanne nasce a Aix-en Provence nel 1839. Suo padre è un fortunato commerciante di umili origini che grazie alla propria abilità negli affari, arriverà a possedere l'unica banca della città; all'ascesa economica non ne corrisponde una sociale: gli arricchiti Cèzanne non godrà mai della considerazione dei propri concittadini. Compagno di scuola di Zola, che rappresenta per il pittore un importante riferimento culturale e affettivo Paul abbandona presto gli studi per dedicarsi alla pittura. Parte per Parigi dove viene accolto con ostilità: il suo carattere scontroso e ostentatamente rozzo, cosi poco avvezzo alle raffinatezze cittadine, si accompagna a un linguaggio artistico incomprensibile anche agli spiriti più colti. Il lato oscuro di Cèzanne bene si evidenzia nelle sue tele giovanili, mai del tutto sopito anche nella maturità. Prima dell'incontro con l'impressionismo ci sono opere quali la Maddalena (1869 circa Parici Musèe d'Orsay) o donna strangolata del 1870-1872, Parigi, Musèe d'Orsay)entrambe le opere mettono in luce un aspetto peculiare dell'opera di Cèzanne.Le scene visionarie dipinte negli anni settanta- su tutte: L'orgia(immagine a destra )
(1870 circa collezione privata) che rivela tutte le contraddizioni e le paure di un uomo difficile interiormente irrisolto, per il quale la sfera sessuale e i rapporti affettivi costituiscono ancora un doloroso campo di battaglia. Le tele di questi anni si rivelano particolarmente interessanti per la comprensione dell'artista e della sua opera.
Il ritratto è un genere molto frequentato dall'artista, fin dagli esordi. Il giovanile ritratto del padre, colto mentre legge il giornale sulla poltrona di casa ne offre un esempio straordinario; l'apparente tranquillità nasconde ancora una volta la complessità di un rapporto famigliare difficile: "L'Evenement" è il giornale su cui Zola pubblica i suoi articoli in difesa degli impressionisti, scritti che difficilmente avrebbero riscosso le simpatie del padre, fermamente contrario alla partenza del figlio per Parigi e alla sua vocazione da artista. Non è un caso che, alle sue spalle, faccia bella mostra di se, sulla parete, una natura morta del pittore, una tela realmente esistente: Zuccheriera pere e tazza blu (1865-1866- Parigi Musèe d'Orsay) Opere
Alla prossima con Paul Gauguin e Vincent van Gogh

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Stelle.

Silenti spettatrici

di ire e di gioie

di cose terribili

Immote compagne

del viandante solitario

del pescatore di notte

di chi attende un ritorno.

Agli sguardi offrono

gioiose faville.

Splendore diffondono.

Desideri accendono

Stelle.

Ardenti dispensatrici di speranze

I sogni illuminano

di colori in gamma impensata.

Splendenti ammiccano

nelle notti d'estate.

Richiamo di bionde sirene

per il novello Ulisse.

Stelle.

Nella loro magica polvere

dall'inizio del tempo è racchiuso

il mistero dell'universo.

Annarita Ruberto
Ringrazio la mia amica Annarita, che con i suoi versi, arricchisce di pura Poesia Soloimmagini.

La crisi dell'Impressionismo

2010-05-23T21:21:00.006+02:00

Edouard Manet, si spegne il 30 settembre 1882 La sua di morte apre una profonda ferita nel gruppo degli impressionisti, la perdita di un punto di riferimento cosi importante in un certo senso accentua la crisi che già da tempo sta attraversando le fila del movimento,- peraltro irreversibile, che esploderà in tutta la sua gravità nell'ultima esposizione del gruppo. organizzata nel 1886- le cause non vanno ricercate tanto nella storia del movimento in sè ma nel percorso artistico affrontato da ciascuno dei suoi esponenti.

Pierre-Auguste Renoir

(Madame Charpentier con i figli)

1878

Metropolitan Museum of Art, New York

L'esempio più emblematico della crisi in corso è quello di Auguste Renoir,il primo trasfuga dal gruppo, che analizza con lucidità il suo allontanamento dal movimento impressionista, giungendo fino, se non a rinnegare, almeno a rillegerne sotto nuova luce molti dei precetti.
L'opera che dà avvio alla svolta stilistica dell'artista è un imponente ritratto della moglie del noto editore Georges Sharpentier, Madame Sharpentier con i suoi figli, che Renoir decide di presentare- con grande biasimo da parte di Degas, da sempre critico nei confronti degli ambienti ufficiali.

Edgar Degas L'ètoile, 1876- 1887, Parigi, Musèe Dorsay.

I primi segnali di crisi all'interno del movimento si avvertono già con la quarta esposizione, organizzata nel 1879, fortemente voluta da Degas, che è tra i principali premonitori. Renoir e Sisley, decidono di non parteciparvi. Ne seguirà l'esempio Claude Monet, che diserterà la quinta edizione, lasciandosi alle spalle un'associazione ormai ridotta a pochi elementi: Pissarro, La Morisot, Caillebotte, Guillaumin, Rouart e Degas " Che ne sarà delle nostre esposizioni"?, scrive in una lettera Degas a Camille Pissarro, il 24 gennaio del 1881, " dobbiamo
continuare, ma continuare solo in senso artistico, l'unico senso, per definizione, che ci interessi". Egli auspica un ritorno degli amici che hanno disertato le ultime esposizioni, desiderio in parte esaudito nell'edizione del 1882, che rivede tra i partecipanti Monet, Renoir e Sisley (manca però Degas) ma che rappresenta, al contempo, il canto del cigno del gruppo.

Degas approda alla scultura con la consueta arguzia e curiosità. Una grave carenza alla vista gli ha reso difficile l'approccio alla pittura a olio,spingendolo verso l'uso del pastello a cera e verso l'opera plastica." E' per mia soddisfazione che modello in cera animali e persone", chiarisce l'artista , "non per allontanarmi dalla pittura e dal disegno ma per donare alle mie pitture e ai miei disegni più espressione, più ardore e più vivacità".Raramente Degas mostra le proprie sculture al pubblico. Quando provò a esporre Ballerina di quattordici anni, (nell'immagine) la critica si scatena con l'usuale ferocia. Alla sua morte vengono trovate nel suo atelier centocinquanta sculture in cera e in terracotta, molte delle quali saranno poi fuse in bronzo da Hèbrard, nel 1991.

Il pittore dell'impossibile.

Claude Monet

Meno eclatante e ostentata, ma altrettanto profonda e forse ancor più complessa, è l'evoluzione stilistica di Claude Monet. Fedele alla pittura en plein e all'impressionismo , Monet sa approfondire la propria poetica restando nel solco del movimento che lui stesso ha creato anni prima. A interessarlo è soltanto la ricerca sulla mutevolezza della realtà e sulla percezione che di essa ha l'occhio umano. Per trovare nuove suggestioni compie numerosi viaggi: visita il nord e il sud della Francia, l'Olanda l'Italia, la Norvegia Ovunque cerca nuove conferme al proprio pensiero, nuovi motivi su cui riflettere.Il soggetto è sempre un pretesto: che siano dei covoni di fieno o la cattedrale di Rouen poco importa. Ciò che conta è la percezione che di essi si ha, il mutare rapidissimo del loro aspetto dovuto al variare delle condizioni atmosferiche. Lo stesso luogo viene ritratto in diverse ore del giorno e in differenti condizioni climatiche per riuscire a fissare sulla tela i sottili, talvolta impercettibili, mutamenti del vero. Quella di Monet è ormai una sfida, la cosciente ricerca dell'impossibile. Nel 1890 si stabilisce a Giverny, dove ha da tempo un atelier. Qui realizza il proprio sogno: la creazione di " un giardino aquatico" , un piccolo stagno pieno di ninfee attraversato da un ponticello giapponese " paesaggio d'acqua" che diventa ben presto l'unico protagonista della sua pittura.Quella di Monet è una ricerca poetica più simile alle pagine di Marcel Proust che a quelle, tanto vicine all'impressionismo storico di Emile Zola. Una lezione che debitamente elaborata, segnerà la nascita dell'Astrattismo.

IL POINTILLISME

La crisi del gruppo che aveva dato vita all'impressionismo si evidenzia, in tutta la sua gravità, nell'ottava e ultima mostra del 15 maggio del 1886. A tenere alta la bandiera dell'impressionismo ormai sono davvero pochi.
La presenza di Georges Seurat e del suo seguace Signac solleva molte perplessità tra gli altri membri del gruppo. Seurat apporta un elemento nuovo L'artista cerca di mettere in pratica una regola che gli impressionisti avevano indagato in teoria ma disatteso nella loro pittura: non mescolare sulla tavolazza i colori ma lasciare che sia la retina dello spettatore a farlo, osservando dalla giusta distanza una fitta rete di puntini di colore puro avvicinati seguendo le precise leggi della percezione cromatica. Per raggiungere il proprio fine, Seurat studia le piu recenti teorie ottiche. Questo procedimento scientifico permette all'artista una volta stabiliti i toni che desidera ottenere, di lavorare in qualsiasi condizione di luce, anche artificiale. Si chiude l'epoca della pittura en plein air.Anche nell'organizzazione della composizione egli segue precise regole matematiche, arrivando a recuperare i criteri geometrico proporzionali propri dell'arte rinascimentale, una linea composta e incisa, lontanissima dalla pennellata libera di Renoir e Monet.

Georges Seurat
Una domenica pomeriggio all'isola della Grande-Jatte
1886, Art Institute, Chicago

Preceduta da numerosi studi e meticolosamente preparata fin nei dettagli, la Grande Jatte è una delle tele più moderne e sorprendenti della seconda metà del secolo Vera pietra dello scandalo alla mostra impressionista del 1886, la tela,di dimensioni monumentali (207,6 X 308 cm), testimonia la nascita di un nuovo stile, detto il Pointilisme, per la caratterizzante stesura del colore a puntini. I colori sono divisi secondo la tecnica dei tocchi divisi, cosi da ottenere un particolare effetto cromatico e una precisa sensazione luminosa A dispetto dell'immobilità della composizione nel complesso la scena conserva un'emozionante vitalità.

Georges Seurat, morirà a soli trentun anni nella primavera del 1891, lasciando poche opere ma raggiunge il vertice con il circo, ultimo capolavoro dell'artista, vera e propria summa di tutta la sua ricerca.

Il circo è un dipinto ad olio su tela di cm 185,5 x 152,5 realizzato (ma lasciato incompiuto) nel 1891 dal pittore Georges-Pierre Seurat.

È conservato al Musée d'Orsay di Parigi.L'opera fu esposta benché non fosse terminata al settimo Salon des Independants, durante il periodo dell'esposizione Seurat morì.Seurat raffigura il circo con il tendone a strisce e l'atmosfera festosa.Si tratta dell'ultima opera del pittore, rimasta incompiuta per la sua morte. Il quadro sarà acquistato da Paul Signac che poi rivenduto al collezionista americano John Quinn, dietro promessa di un suo lascito al Louvre.

Dopo la morte dell'artista, il Pointillisme interesserà molti giovani fino a Herri Matisse- che elaboreranno le loro prime prove in uno stile vicino a quello di Seurat. Vero erede del pittore è però Signac parte dalle ipotesi stilistiche di Seurat per elaborare una propria posizione, più libera e influenzata dalle più moderne tendenze del gusto.

Il Modello Orientale.

2010-04-11T19:15:00.011+02:00

Il gusto dell'esotico nell'Europa di fine secolo

Il ricchissimo patrimonio di arte giapponese ed orientale, raccolto in Giappone durante il periodo Meiji da Edoardo Chiossone è ora esposto nella Villetta Di Negro.
Il museo ospita opere giapponesi di varie epoche: pittura (dal XI al XIX sec.), armi e armature, smalti, ceramiche, lacche, porcellane, stampe policrome, strumenti musicali, maschere teatrali, costumi e tessuti, bronzistica, e una ricca collezione di grandi sculture del Giappone, della Cina e del Siam.

Nel Gennaio del 1870, Frèdèric Bazille comincia a lavorare a La toilette, un'opera importante, dal soggetto vagamente esotico. Il giovane pittore ripone molte speranze in questo lavoro, il genere orientalista è molto di moda nella Parigi del tempo. La scelta di un simile soggetto gli fa sperare nell'ammissione al Salon. Ma le speranze di Bazille vanno presto deluse: la giuria con sorpresa accetta la seconda tela da lui presentata _ Scena d'estate(1869, Cambridge, Massachusetts, Fogg Art Museum), ben più moderna nel soggetto- ma non la toilette.Forse, come ipotizza lo stesso Bazille, convinto che l'opera sia stata dimenticata e non sia stata sottoposta al vaglio della giuria, ma forse essa ha pagato lo scotto di uno stile dagli accenti troppo "alla Manet" e di una fattura libera, originale lontanissima da tanta pittura orientalista di matrice accademica.nella scena di Bazille si respira ben poca di quella sensualità che permea altre opere di oggetto simile, Compresa l'Odalisca di Renoir: è questa atmosfera svelatamente erotica che il grande pubblico cerca nelle tele orientalista, che permette di ritrarre splendidi nudi voluttuosamente adagiati tra stoffe di ricchi decori e dalle cromie sontuose, senza destare alcun scandolo.

Pierre August Renoir

Odalisca- 1870-

Washington National Gallery of d'Art.

L'immaginario collettivo ha ormai adottato l'idea di un Oriente magico e seducente e erotico, popolato da conturbanti odalische, eunuchi e califfi. Gran parte del successo del "sogno orientale" è dovuto alla diffusione dei racconti-Le mille e una notte- di Shehèrazade, che alla fine del XVIII secolo conoscono un'ampia diffusione in tutta Europa. Da molti ignorata la tensione di molti passaggi spirituali a colpire l'immaginario dell'uomo occidentale sono sopratutto gli accenti svelatamente erotici.

Eugéne Delacroix.

Donne di Algeri nei loro appartamenti.

1834. Olio sui tela. cm. 1,80X2,29.

Parigi, Louvre

Eugéne Delacroix, dopo aver duramente giudicato quei pittori che sentivano la necessità di un viaggio in Oriente, predicando di trovare l'ispirazione a casa propria, partirà per il Marocco e ne resterà sedotto. Le sue tele dedicate al tema riescono a resituire a pieno l'atmosfera orientale: sono immagini risolte con grande maestria, profondamente evocative, sensuali ma non erotiche, affascinanti. - Le sue Donne di Algeri sono agli antipodi delle belle odalische di Ingres,dalla lineare purezza classica, esercizio di perfezione formale e massimo esempio della vocazione accademica.

Nel 1832, sulla via del ritorno dalla missione diplomatica di cui faceva parte, Eugéne Delacroix, visita Tangeri e Algeri, qui grazie a un certo Poirel, un ingegnere del porto, riesce con la massima segretezza a ottenere l'accesso all'harem di un capitano. "Dopo aver attravesato alcuni corridoi bui, si penetra nella parte della casa che è a lui riservata, l'occhio viene abbagliato dalla luce viva, dai freschi visi di donne e dei bambini, che appaiano all'improvviso di fronte a un ammasso di seta e d'oro" Delacroix, trae immediatamente appunti, traccia schizzi su un taccuino oggi conservato al Louvre e annota dettagli e sensazioni di quell'immersione emotiva e spirituale vissuta nell'harem, che ricostruisce poi nell'atelier parigino, facendo posare modelle vestite alla moda algerina.

Il pittore in questa tela riproduce attentamente , fogge e accessori. Al centro della composizione, accanto al narghilè, c'è un piccolo braciere quasi spento, alle pareti uno specchio stile veneziano e a destra il pannello in ceramica bianca e azzurra con una dedica ad Allah: sul fondo, la porta semichiusa lascia intuire altri luoghi reconditi della casa. Infine le babbuccie di stoffa rossa in primo piano, inserto chiave di tutta la potenza

espressiva di un'atmosfera semplice ma ricca di intimità, ove gli abiti e i monili delle donne,, insieme alla loro espressione serena suggeriscono una sensualità pacata. L'opera segna un Oriente quasi magico, svicolato dalla visione più voluttuosa e travolgente degli anni precedenti.

Gustave Guillaumet
Le Sahara ( 1767, Parigi, Musèee d'Orsay)

Il soggetto orientalista non si riduce alle sole scene di vita nell'harem.

Nelle sale delle esposizioni ufficiali si moltiplicano le tele che raccontano di sterminate distese desertiche, di accampamenti nel Sahara o della cudeltà dei mori.Emblematica la tela presentata al Salon di Gustave Gullaumet- Le Sahara-

Un dipinto profondamente realistico di una carcassa di cammello abbandonata in un desolante scorcio di sabbia assolata, l'artista riesce a evocare l'idea della morte in tutto il suo orrore

Eugene Fromentin
Le pays de la soif 1869

Musee d'Orsay, Paris, France

Eugene Fromentin, racconta come il deserto intrappola e uccide un gruppo di viaggiatori.Ma l'oriente più temibile è quello ritrato da Herri Regnault - Esecuzione senza giudizio sotto i re mori di Granada

Herri Regnault
Esecuzione sotto il re moro di Granada, 1870, Musée d'Orsay

Opera monumentale (302 X 146) le cui ampie dimensioni accentuano la forza e la brutalità del soggetto. Alla raffinatezza e al lusso dell'architettura moresca, suggerita dal raffinato pannello dell'artista si contrappone l'immagine terribile dell'esecuzione, in un crescendo di tensione, che raggiunge il vertice nella testa decapidata che rotola dai gradini, tintengiandoli di sangue.

Regnault aprirà un atelir a Tangeri,dove dipingerà opere originali e intense, che susciteranno sempre un certo scalpore al Salon. La morte prematura, sui campi di battaglia della guerra franco-prussiana, contribuirà alla nascita di un vero e proprio mito intorno alla figura dell'artista.

Giapponismo:tra fenomeno e moda

Katsushika Hokusai

Katsushika Hokusai e' il piu' celebre pittore e xilografo giapponese, considerato il piu' grande artista della scuola denominata Ukiyo-e, e, con Hiroshige, il massimo interprete della stagione piu' alta dell'incisione giapponese. E' forse l'artista non solo giapponese, ma asiatico piu' conosciuto nel mondo: Edmond de Goncourt gli dedico' un'ampia e dettagliata monografia gia' nel 1896.

Il lungo isolamento del Giappone si interruppe nel 1853, quando una squadra della marina americana agli ordini del comandante Mattehew Perry penetra nella baia nell'antica citta di Edo (l'odierna Tokio), violando gli editti dello ahogun che negavano l'ingresso degli stranieri nei porti giapponesi.

Negli anni che precedono il 1853 soltanto l'Olanda, sfruttando l'eccezionale autorizazione concessa dalla Compagnia delle Indie Orientali, aveva potuto avvicinarsi alla produzione artistica e artigianale del Giappone: una possibilità che non esita a rendere pubblica nelle sale delle esposizioni di Dublino e New York, entrambe nel 1853.Anche a Parigi, due anni dopo l'Olanda punterà molto sui manufatti giapponesi, presentando in mostra mobili laccati, porcellane e vasi di rame smaltato L'esposizione genera un'ondata di curiosità verso l'arte giapponese, che indurrà molti mercanti ad aprire negozi specializzati.

James McNeill Whistler
Stanza dei pavoni (1876-1877 Washington, freer Art gallery)

particolare della - Stanza dei pavoni-

La tela protagonista della stanza è una delle opere che meglio testimoniano l'approccio all'universo nipponico da parte dell'artista americano. Splendide giovani dalle fisionomie occidentali vestono abiti da geisha, posando in ambienti colmi di japonaiseries. il pavimento, il tappeto, il ventaglio, le stoffe del chimono evocano un Giappone seducente e raffinatissimo, quanto superficiale e immaginario.La stanza decorata da Whistler nel 1876 per il palzzo Frederich Lejland, per una rottura tra i due viene smontata e conservata, dopo vari passaggi, a Washington - resta una delle manifestazioni più straordinarie di applicazione del gusto giapponista al design e alle arti figurative.

Acquazzone improvviso su Ohashi ad Atake" di Hiroshige, 1857-Il giardino dei susini a Kameido" di Van Gogh, 1887

Il lavoro di Van Gogh con l'arte giapponese è intensissimo e più volte sottolineato nei suoi scritti: "Tutto il mio lavoro si basa sulla giapponeria", scriverà al fratello Theo.nella sua breve esistenza Van Ggh raccoglierà più di quattrocento stampe orientali, tutte opere dei più grandi maestri giapponesi.. Nelle opere datate 1887, dove l'artista sceglie gamme cromatiche limitate a pochi colori molto accesi - sopratutto il giallo e il rosso -

Oltre a un modello estetico e formale, il Giappone rappresenta per Van Gogh anche un esemplare sociale." Gli artisti giapponesi praticano spesso degli scambi". Van Gogh era sempre propenso a scambiare tele con altri pittori, in uno spirito di fratellanza e collaborazione tra artisti.

Edouard Manet

La coda davanti alla macelleria

!871-Baltimora The baltimore- Museum of Arte

Tra i primi a studiare con attenzione gli esempi delle opere a stampa provienienti dal Giappone è Manet, che media dai modelli nipponici alcuni suggerimenti iconografici e stilistici per la propria grafica. Ne offre una testimonianza la bellissima acquaforte- La coda davanti alla macelleria, ricordo dell'assalto di Parigi. La costruzione spaziale e il processo di semplificazione cui sottopone le figure discendono con evidenza dai Manga di Hokusai

Claude Monet

Camille in abiti giapponesi 1876 Boston Museum of Fine Arts

Anche Claude Monet con una certa ironia traveste sua moglie da geisha, la ritrae davanti a una pioggia di di ventagli giapponesi.Il sorriso della bionda Camille, il suo suo atteggiamento sbarazzino. la bellezza del ricamo dell'abito e la scelta cromatica rendono l'opera una delle più alte incursioni di Monet nella pittura di figura.Monet acquista ad Anversa le prime incisioni giapponesi, che andranno a formare una collezione che arriverà a comprendere più di duecento esemplari firmati dai più famosi artisti giapponesi dell'ètà moderna

Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8

Parigi Musèe Rodin

Le stampe rappresentate sono tutte realmente esistenti o riconoscibili alla produzione dei grandi maestri giapponesi. Sulla sinistra spicca La cortigiana Tukao, il ciliegio in fiore alto a destra- che offrirà importanti spunti al pennello di Van Gogh. L'artista ha una grande passione per la cultura giapponese E certo questo il motivo che non solo lo spinge a inserire una serie di stampe orientali come sfondo del ritratto dell'amico ma anche a gestire l'intera composizione e la semplificazione formale propria dell'arte nipponica La figura, incisa nel colore, dell'uomo in primo piano partecipa all'atmosfera suggerita dalle stampe alle sue spalle. Nella parte alta spicca la sagoma del monte Fuji che, simbolicamente sovrasta la testa del protagonista, quasi incoronandolo.

Ossessione

Trafiggono
l'attonita
mente
parole.

Scavano
lame
la madida
carne.

Grondano
dal cielo
lacrime
grevi.

Pulsa
nel petto
scordato
strumento.

Urlo
muto
in assordante
silenzio.

Ossessione
mi serra
in impalpabili
spire.

Ossessione
di te
che non
mi lascia.

Annarita Ruberto

LA SCENA ARTISTICA SPAGNOLA

2010-04-05T09:32:00.010+02:00

Fra Tradizioni e Modernità

Immagini reperite dalla rete.

Notizie dal libro,

La Storia dell'Arte

Facciata principale del Museo
del Prado, con la statua di Velázquez.

Federico de Mandrazo

Ritratto di Isabella II di Spagna
...........

Nel lungo regno di Isabella II, la Spagna cerca lentamente la strada verso la modernità, in favore di un'organizzazione politica, economica e sociale.
Dal punto di vista artistico, la Spagna presenta uno scenario frazionato e instabile, che vede dialogare personalità diverse, che caratterizza anche il panorama artistico degli altri paesi d'Europa-

La varietà della Spagna emerge sopratutto nel genere storico. Il testamento di Isabella la Cattolica (1864, Museo del Prado) di Eduardo Rosales Gallinas è considerato uno dei capolavori della pittura di storia nella Spagna del tempo. L'opera, densa di riferimenti alla grande tradizione iberica conquista anche la francia, dove viene premiata con una medaglia d'oro e la legione d'onore per volontà di Napoleone III.Rosales Gallinas, perderà il favore della critica quando si aventurerà in scelte stilistiche più moderne, come nel caso del suo - Episodio dalla battaglia di Tetuàn.

Eduardo Rosales Gallinas
Episodio dalla battaglia di Tetuàn.

1868, Madrid, Museo del Prado.
.........

La tela narra la sconfitta delle truppe napoleoniche da parte degli spagnoli, giustifica lo stile altisonante dell'insieme; fedele nel ritrarreuniformi e volti dei protagonisti, l'artista cita Velàzquez e la tradizione, senza saperne trarre i suggerimenti preziosi che, negli stessi anni sa cogliere uno "straniero"come Edouard Manet.

Ricca e anche la produzione di tele di genere, in particolare di scene che illustrano di tradizioni locali, di gusto ancora romantico Ne offre un buon esempio la processione del Copus Christ a Siviglia di Manuel Cabral y Beiarano.

Manuel Cabral y Beiarano.

La processione del Corpus Christi a Siviglia

1857, Madrid, Museo del Prado.

L'artista impagina una composizione ricca di dettagli , imbevuta di luce, costruita su una solida gabbia prospettica: la precisione nel riprodurre il singolo particolare e la staticità negli atteggiamenti dei personaggi ritratti costituiscono la virtù e il limite delle opere di questo tipo. Manuel Cabral y, non è il solo esponente di questo genere di pittura: è sufficiente osservare Prima della corrida di Manuel Castellano.

Manuel Castellano

Prima della corrida- 1853. Madrid. Museo del Prado

Un dipinto vivace, ma non vivo racconto di un importante momento della tradizione spagnola.

Mariano Fortuny Idillio,
1868 Madrid Museo del Prado
.....
Il vero protagonista, quanto meno dal punto di vista del successo economico della scena spagnola del secondo Ottocento è Mariano Fortuny, artista la cui fama valica il confine patrio per raccogliere un ampio seguito anche nel resto d'Europa. Formatosi a Barcellona, approfondisce i propri studi in Italia. Un viaggio in Africa, finanziato dalla Diputatiòn barcelonese che gli commissiona alcuni episodi della guerra del Marocco, gli apre le porte dell'oriente, avvicinandolo al gusto per le atmosfere esotice assai diffuse nell'Europa del tempo.Fortuny,inventa una cifra stilistica inconfondibile e di sicuro successo, che trova nelle opere neurococò di ambientazione settecentesca e nelle scene di gusto orientalista.Le sue tele degli anni settanta presentano una libertà di pennellata e una sensibilità al dato luminoso, che paiano preannunciare una fase impressionista.

Mariano Fortuny Marsal

I figli del pittore nel salotto giapponese

1874 circa, Madrid, Museo del Prado.

Il vero protagonista, quanto meno dal punto di vista del successo economico della scena spagnola del secondo Ottocento è Mariano Fortuny, artista la cui fama valica il confine patrio per raccogliere un ampio seguito anche nel resto d'Europa. Formatosi a Barcellona, approfondisce i propri studi in Italia. Un viaggio in Africa, finanziato dalla Diputatiòn barcelonese che gli commissiona alcuni episodi della guerra del Marocco, gli apre le porte dell'oriente, avvicinandolo al gusto per le atmosfere esotice assai diffuse nell'Europa del tempo.Fortuny,inventa una cifra stilistica inconfondibile e di sicuro successo, che trova nelle opere neurococò di ambientazione settecentesca e nelle scene di gusto orientalista.Le sue tele degli anni settanta presentano una libertà di pennellata e una sensibilità al dato luminoso, che paiano preannunciare una fase impressionista

La via dell'Impressionismo.

Le straordinarie novità dell'Impressionismo francese vengono raccolte in suolo ispanico solo da alcun artisti.

In particolare Aureliamo de Beruete y Moret, Dario Regoyos,e Joaquin Sorolla Bastida sembrano essere i tre pittori che meglio hanno compreso la lezione del gruppo parigino.

.....

Il Prato di Sant'Isdro

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Aureliamo de Beruete y Moret, specializzato nella pittura di paesaggio, è il primo spagnolo a interessarsi alla tecnica impressionista, pur conservando memoria dell'opera del connazionale Francisco Goya, che egli dimostra di aver studiato attentamente in tele quali Il Prato di Sant'Isdro. Le sue tele si situano agli inizi del XX secolo e offrono un'interessante, seppur tarda, rielaborazione dell'Impressionismo e alla tradizione spagnola.

Regoyos è amico del compositore Albèniz - la cui estetica. profondamente innovativa, influisce sulla forma dell'artista - e si trasferisce con lui a Bruxelles. A contatto con con il gruppo belga de XX, conosce le avanguardie pittoriche europee e ne comprende la novità. Ma al suo rientro in Spagna a segnare una più decisa svolta verso una pittura di matrice impressionista.Un Impressionismo più vicino a quello della seconda generazione dei francesi ( L'arcobaleno, 1990 Museo di de Bellas Artes) si misura già con la pennellata frazionata del Pointillismo e se da una parte ricorda le ricerche dell'ultimo Monet e quelle, ben poco impressioniste, del tardo Renoir, dall'altra lasciano presagire L'Espressionimismo.

E dicono che il pesce è caro!

1894- Madrid- museo del Prado
.........

Il terzo nome della cosiddetta triade impressionista della pittura spagnola di fine secolo presenta carattersiche diverse:

Sorolla è artista di talento, il cui stile può difficilmente essere catalogato sotto l'etichetta dell'Impressionismo.

Molto noto negli Stati Uniti,ottiene oltreoceano un successo incredibile già nel 1909, quando una sua mostra

newyorkese batte ogni record di affluenza di pubblico. Dopo un esordio caratterizzato da opere a soggetto sociale

risolto con stile realista, come -E dicono che il pesce è caro!- Sorolla si lascia attrarre da una pennellata più libera e luminosa, sebbene

mai pienamente impressionista.Sorolla raggiunge il proprio vertice qualitativo nelle opere ambientate a mare, come l'interessante, ma molto tardi, Bambini sulla spiaggia (1910, Madrid, Museo del Prado) in cui Sorolla offre un saggio esemplare della sua magistrale poetica della luce nella rappresentazione del movimento delle onde e dei riflessi dei corpi stesi sull’acqua della riva e la - Spiaggia di Valencia alla luce del mattino 1908- New York, Hispannic Society of America.

LA BELLA BIMBA DAI CAPELLI NERI

La bella bimba dai capelli neri

è là sul prato e parla e gioca al sole.

Io so quei giochi e so quelle parole;

rido quel riso e penso quei pensieri.

Son io la bimba dai capelli neri.

Ed anche io vedo una fanciulla bruna,

gli occhi sognanti al ciel notturno fisi.

Quante chimere e quanti paradisi

negli occhi suoi! Te li rammenti, o Luna,

gli occhi febei della fanciulla bruna?

Ora è stanca; la penna ecco depose.

e la man preme su le ciglia nere.

Di quanti sogni e quante primavere

vide sfiorir le immacolate rose?

Ora è stanca; la penna ecco depose.

Vittoria Aganoor

SOLOIMMAGINI AUGURA UNA SANTA PASQUA

2010-03-28T23:27:00.009+02:00

Di notte i pensieri

sono sempre più forti:

nel buio tutto tace,

tranne la mia anima

Nella notte ritrovo

quella parte di me

che io soltanto conosco,

non ha importanza

se essa è dolorosa:

è nel dolore che

mi sono formata.

Mio Dio, molte volte

mi pongo

e ti pongo domande

e nel tuo silenzio

mi smarrisco

Con la fantasia

dipingo il tuo volto:

per rafforzare la mia fede

convinco me stessa

che, se non rispondi,

è perchè sei ancora arrabbiato

per la croce che

ti abbiamo dato

e cosi rassegnata,

abbraccio la tua e la mia

Di Lella maria Rosaria

L'Arte Russa Al Tempo Degli Zar

2010-03-10T21:13:00.027+01:00

Immagine ad alta risoluzione

Museo di Stato Russo di San Pietroburgo

Pietro il Grande

Pietro I Romanov, Zar di tutte le Russie.

La pittura russa nella seconda metà dell'Ottocento

Come in altre nazioni europee, anche nella scena artistica russa della seconda metà dell'ottocento si affermarono due schieramenti opposti:il Realismo e l'Accademia.Seguendo l'esempio di altre scuole pittoriche, anche la Russia conosce la sua stagione realista. I pittori realisti cercano di rinnovare alla radice il linguaggio artistico, introducendo la grammatica del vero anche nei soggetti di storia antica o di matrice classica:modalità che avvicina la scena russa a quelle di molte altre realtà occidentali, a partire dalla Francia.
Ma il realismo russo trova la propria peculiarità , nel vincolo strettissimo che lega le scelte artistiche alle esperienze politiche " Per chi è privato delle sue libertà sociali", la letteratura è l'unica piattaforma dalla quale fa udire le grida della sua coscienza". In letteratura è questa l'epoca, straordinaria, di scrittori del calibro di Tolstoj, Turgenev,Dostoevdkij, che hanno avuto il merito di trovare il giusto equilibrio tra" etica" ed "estetica", componendo opere di sublime bellezza "Il vero talento ha, se possibile, due spalle", afferma Tolstoj " Una è l'etica e l'altra è l'estetica.

Se l'etica è troppo alta l'estetica è troppo bassa il talento si fa claudicante".E' proprio questo equilibrio , frutto del genio e di un'approfondita conoscenza tecnica, a mancare, invece, a gran parte dei pittori del tempo, le cui ambizioni non sono spesso supportate da sufficiente talento.
Se confrontati a quelli, altissimi, della letteratura, dunque, gli esiti della pittura sono, salvo qualche eccezione , più modesti

Il centro più all'avanguardia è Mosca, più aggiornata rispetto a S. Pietroburgo, grazie alla ricchezza, alla modernità degli eventi offerti dai teatri della città e alla maggiore apertura mentale del ceto medio mercantile che ne anima la vita culturale.
Protagonista della scena moscovita alla metà del secolo e significativo esempio per comprendere le scelte stilistiche di gran parte dei pittori del tempo è Vasillij Perov. Perov privilegia il contenuto a discapito della forma rielaborando cifre pittoriche già in voga negli anni precedenti e piegandole alle ragioni di un'opera dai forti contenuti sociali. Le sue tele dipinte negli anni sessanta danno voce ai più deboli E' il caso di processione di pasqua al villaggio.

Vasillij Perov

Processione di Pasqua al villaggio

1861-Mosca Galleria Tret'jakov

Tela censurata per i contenuti, espressi, tra l'altro, con un realismo tanto immediato da non lasciar spazio ad alcun fraintendimento. Lo stile realista è per Perov un mezzo attraverso il quale raggiungere il proprio scopo: la denuncia sociale. L'arte di Perov si esaurirà molto presto , non saprà comprendere le novità delle nuove generazioni e si chiuderà in una pittura di genere del sapore aneddotico...

Alta risoluzione

Vasillij Perov

Ritratto di Dostoevskij-1872-Mosca Galleria Tret'jakov

...di buon livello restano invece, i sui ritratti , famoso quello di Dostoevskij, immerso nei suoi pensieri , la cui figura emerge dallo sfondo monocromo con straordinaria intensità Opere

A Pub

Leonid Ivanovich Solomatkin (1837-1883)

Museo: Tretyakov Gallery

Vendor: Bridgeman Art Library

Nella scena moscovita, una sola figura sembra ritagliarsi un proprio spazio autonomo

e originale, aderendo alle medesime tematiche dei colleghi ma con modalità differenti: Leonid Solomatkin, Manca nell'opera di questo pittore -formatosi tra Mosca e San Pietroburgo senza, peraltro, portare a termine gli studi accademici - l'impegno sociale degli altri artisti del tempo.Solomatkin ritrae il popolo, ma lo fa solo con l'intenzione di ritrarre la società contemporanea, astenendosi dal giudizio Suoi riferimenti stilistici sono: sono le stampe popolari e la pittura della tradizione.Distrutto dall'alcolismo, Solomatkin brucerà il proprio talento e la propria esistenza nei bassifondi moscoviti, cercando di sopravvivere con i miseri proventi delle vendite delle sue tele, acquistate da un pubblico che ama il tono beffardo e derisorio

con cui egli ritrae la società contemporanea. Solomatkinè nato nel 1837, rimasto orfano poco dopo. In gioventù ha lavorato come pastorello e poi come carrettiere senza tetto, vendeva icone religiose.

Grazie a un tirocinio che vinse, cominciò, a lavorare come pittore. Solomatkin, è stato un pittore notevole, ma di breve durata. Nel 1860, si ritirò e si fermò ed è stato dimenticato.Opere

Gli "ambulanti"

Nel 1869 Grigorij Mjasoedov propone,facendosi interprete di un'esigenza diffusa, la creazione di pittori,

uniti dal medesimo spirito ribelle verso l'Accademia e certo un verso tipo di società

L'idea raccoglie subito un ampio consenso: alla società aderisce gran parte dei migliori talenti del tempo,

da Perov, a Nikolaj Ge, a Ivan krasmkoj. Pur senza pubblicare un programma dettagliato, l'associazione

- scelto il nome di "Società per le esposizioni d'arte itineranti" - si da subito poche regole ma molto precise: i ricavati della vendita dell'opera vanno all'artista mentre la società trattiene i proventi dei biglietti d'ingresso alle esposizioni.

L'esigenza di libertà degli ambulanti non si sposa però a una reale autonomia stilistica del membro del gruppo. La società promuove una pittura attenta alla specificità nazionale,

di stampa populista e di stile realista.

Supportata ideologicamente dagli intellettuali più alla'avanguardia del tempo,gli ambulanti entrano ben presto in un più complesso progetto che coinvolge letteratura, teatro , arte

Tra i sostenitori del gruppo degli ambulanti vi è Pavel Tret'jakov, uno dei primi grandi collezionisti a interessarsi alle proposte provenienti dal territorio nazionale,alla cui opera di mecenate si deve il nucleo dell'odierna collezione della galleria d'arte più importante di Mosca.La Galleria Tret'jakov

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Nikolaj Ge, L'ultima cena, 1863, olio su tela,

293x382. San Pietroburgo, Museo Russo.

Nikolaj Ge, formatosi a San Pietroburgo ma perfezionatesi in Italia, dove giunge come pensionnier dell'Accademia. La sua prima opera di un certo rilievo è L'Ultima cena, dove Ge, cerca un nuovo taglio narrativo per una delle scene più frequentate dell'iconografie religiose, ritraendo Giuda che si allontana nell'ombra, dal cenacolo Ge è maestro nell'impostare una scena teatrale, nella quale le diverse psicologie degli apostoli e la ieratica serenità di Cristo emergono con forza

Pietro I interroga lo Zarevič Alessio a Peterhof,

dipinto storico di Nikolaj Ge, 1871,

Galleria Tret'jakov, Mosca

Capolavoro del periodo, un'opera densa densa di conseguenze per le nuove generazioni che costituisce un passaggio imprescindibile nella definizione del periodo storico in Russia. La tela mette in scena un vero proprio faccia a faccia tra vecchia e nuova Russia, rappresentate dalle figure del vecchio zar e di suo figlio, che egli non esita a mettere a morte per seguire la ragion di Stato. Impiegando abilmente tutti gli escamotage scenici del dramma storico - dalla rappresentazione della stanza in cui avvenne lo scontro alla caratterizzazione psicologica dei due protagonisti, da una luce sapiente, che illumina i personaggi come su un palco di un teatro

Ge, con questo dipinto intende sollevare più di un interrogativo sui temi scottanti e allora assai attuali: il bene dello stato, la giustizia suprema,il dovere. E' l'ultima tela di rilievo dipinta da Ge in questo decennio: l'inizio di una crisi che lo porterà a ritirarsi per qualche anno dalle scene, rifuggiandosi nelle campagne ucraine.

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Nicolay Ge, Golgata-

1893 Mosca, Galleria Tret'jakov

Occorre attendere fino agli anni ottanta, quando verrà meno progressivamente l'influenza del gruppo degli ambulanti, per ritrovare la vena creativa delle opere giovanili.

Complice il pensiero e la personalità di Lev Tolstoj, Nicolay Ge, ritrova la voglia di dipingere e tentare nuove cifre stilistiche. Si tratta, per lo più, di opere a soggetto religioso, dipinte con uno stile maturo e pieno.

Il Golgata opera di una modernità sconcertante, dove Cristo è ritratto pochi istanti prima di salire sulla croce. accompagnato da due ladroni; l'intera figura del Salvatore, che porta le mani al volto in un attimo di umana disperazione è tracciata nel colore, steso con estrema libertà, in pennellate che talvolta lasciano trasparire lo sfondo. Al terribile volto del ladrone cattivo, che digrigna i denti in un'espressione diabolica, si oppone a quello, triste ma sereno, del ladrone pentito, che, con lo sguardo nel vuoto, sembra gia percepire la propria salvezza.

IIja Repin

Su tutti gli artisti finora citati e sui numerosi rappresentanti della pittura di genere, tanto diffusa nella seconda metà del secolo, si eleva la figura di IIja Repin, con Vasilij Surikov il più importante pittore russo dell'epoca. Nato nel 1844, figlio di un soldato semplice, Repin passa l'infanzia nella miseria Dopo aver ricevuto, in gioventù,qualche lezione di icone, si trasferisce a San Pietroburgo, dove si iscrive all'accadedemia di belle Arti.

Il rapporto di Repin con il mondo accademico è, e sarà complesso e sfaccettato: interessato alla pittura della realtà e al lavoro degli ambulanti (cui è molto vicino), egli sa trarre dall'Accademia preziosi spunti su cui riflettere, approdando a una rivisitazione della lezione accademica in chiave realistica.

Una tendenza realista che Repin dimostra fin dalle sue prime tele di un certo peso, come questo splendido dipinto- La resurrezione della figlia di Giairo, 1871, Museo Statale Russo-che gli vale il conseguimento della licenzia accademica, una medaglia d'oro e una borsa di studio, che gli permette di aggiornarsi all'estero

Un'opera splendidamente risolta e assai originale, sebbene si inserisca nella tradizione accademica della pittura

di storia religiosa.Il gioco delle luci e delle ombre, l'equilibrio tra azione drammatico e il significato dottrinale dell'evento, l'uso sapiente della linea e del colore ben testimoniano la statura artistica di Repin.

Prima di partire per il viaggio di studio Repin conclude un'altra opera capitale della sua produzione, i battellieri

del Volga

IIja Repin,

I battellieri del Volga (1871-1873)

San Pietroburgo

Museo Statale Russo.

Capolavoro giovanile di Repin, costituisce uno dei momenti chiave dell'evoluzione della pittura di genere e dello stile realista in Russia. Esposto in versione non definita nel 1871, il quadro subirà poi numerose modifiche, tese a rendere la scena più credibile e dettagliata.

L'idea iniziale per questa composizione viene a Repin già nel 1868, durante una passeggiata lungo le riva della Neva.Dapprima rappresentati in modo più superficiale, mettendo in luce sopratutto la loro condizione di sfruttati, i battellieri assumono una fisionomia sempre più precisa e credibile man mano che l'artista procede nell'esecuzione dell'opera. Per comprendere fino in fondo le esistenze, Repin,li osserva al lavoro e nella loro quotidianità, scoprendone la forza, la dignità, la bellezza interiore
La lettura di questo dipinto e di un grande realismo, i volti sono ritratti prestando attenzione all'espressione e alla fisionomia di ogni singolo lavoratore. Ciascuno di essi è scelto per simboleggiare metaforicamente uno status sociale ma al contempo risponde a una precisa identità individuale. In una sequenza che mette in luce le diverse etnie, nazionalità, classi sociali ed età che compongono il variegato mondo del lavoro.Opere

Vasilij Surikov

L'idea di riflettere sulla condizione storica della Russia contemporanea mediante l'analisi di episodi cardine della storia passata avvicina Surikov al pensiero di molti intellettuali del tempo tra cui Lev Tolstoj.

Nasce cosi il più celebre terzetto di quadri dell'artista, una sorta di trilogia sulla storia russa composta da

- La mattina dell'esecuzione, Mens'ikov in esilio e La Boiara Monzova

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La prima tela della trilogia. La mattina dell'esecuzione degli Strll'ej, illustra un momento molto drammatico della storia russa del seicento: gli Strll'ej erano i soldati di Ivan il terribile che si sollevarono nel 1698 pagando con lo sterminio il proprio atto rivoluzionario.Surikov li ritrae pochi attimi prima della morte, quando, trasportati sul luogo dell'esecuzione su dei carri, essi attendono il loro turno, stringendo tra le mani una candela ed esprimendo, ognuno a proprio modo , tutta la tensione del momento
Sullo sfondo la maestosa San Basilio si staglia su un cielo uniforme e grigio. Sulla destra l'imponente figura dello zar Pietro che, perseguendo il bene della Russia, ha causato una tragedia a cui assiste freddo e spietato.
Gli si contrappone la forza e la dignità dei volti degli Strll'ej, che ancora non smettono di combattere e di opporsi al potere dello zar, nonostante sia ridotti in catene e si trovano sul punto di essere condotti a morte.
Segue, due dopo,Mens'kov, in esilio a Berèzov.

Vasilij Surikov

Menshikov a Berezov in esilio a Berenzov

1833 Mosca, Galleria Tret,jakov.

Questa tela è un omaggio al cancelliere imperiale e protetto da Pietro il Grande che, dopo la morte dell'imperatore, aveva, di fatto, governata la Russia.Condannato all'esilio in Siberia nel 1727,Menshikov vi morirà: sono proprio gli ultimi giorni di questo personaggio ad attrarre Surikov che ritrae l'uomo nella sua piccola isba, in compagnia dei figli.Surikv è maestro nel delineare le singole personalità, indagandone la psiche: il suo occhio attento si sofferma sulla figura della figlia in primo piano, avvolta in una pelliccia nera che fa contrasto con il volto pallidissimo, che tradisce la sua salute instabile e la sua fragilità; allo stesso modo il pittore incide il profilo del protagonista, che ha perduto la sua libertà, il favore del paese ma non la propria dignità e cosi via in un crescendo di tensione, che si attenua nella languida posa della figlia impegnata nella lettura della Bibbia, la cui figurina imbevuta di luce rialza il tono complessivo della scena, dandole respiro.
Mentre esegue questa tela, Surikov sta già pensando a una nuova opera, assai più complessa edinamica nella composizione: La Boiara Morozova, vero e proprio apice della trilogia, terminata nel 1887.

Immagine ad alta risoluzione

Vasilij Surikov La Boiara Morozova-

1887- Mosca-Galleria Tret,jakov

Questa tela separa la prima idea dall'esecuzione finale dell'opera un lungo soggiorno all'estero, che porta l'artista in Germania, Francia e Italia, sulle tracce dei grandi maestri del Cinquecento, in particolare quelli di area veneziana, Tiziano, Veronese, Tintoretto ma anche Michelangelo e Velàsquez.

Anche questa tela è un'amara riflessione sulle leggi della Storia, che troppo spesso non rispettano le esigenze dei singoli e della gente comune.Surikov, Ancora una volta racconta una tragedia dagli accenti epici, le conseguenze delle proprie azioni, La protagonista viene portata in catene al patibolo: il suo impeto religioso non viene meno, anzi, pare accendersi di più nel momento della condanna. Gli occhi spalancati, il gesto della mano che traccia il segno della croce ( con due dita e non con tre come voleva la riforma cui si opponeva fermamente), lo stato di estatica follia in cui la donna sembra essere caduta, attraggono l'attenzione di una folla variegata, composta da diversi personaggi- L'artista in questo Capolavoro offre uno spaccato di vita quotidiana al contempo reale e immaginario, tracciando il ritratto corale di un popolo. La folla- di una compattezza fin improbabile-pare ostacolare il passaggio della slitta, seguendone il percorso in un unico coloratissimo corteo.Attento alla visione generale Surikov non perde di vista le identità individuali sulle quali, si sofferma con attenzione.Opere

Valentin Serov

Serov e forse il più illustre esponente della pittura russa di ambito impressionista e al contempo

uno dei principali protagonisti del passaggio della pittura sovietica. Vissuto a cavallo tra tra i due secoli (nato nel 1885 muore nel 1911, quando le Avaguardie hanno già espresso gran parte delle loro sconcertanti novità) Serov, con il suo pennello portò una ventata di leggerezza e di gioia nel panorama della pittura realista russa. (Io voglio, voglio la gioia e dipingerò solo la gioia) Tra i suoi quadri di figura spicca- La fanciulla con pesche-

Valentin Serov fanciulla con pesche-

1887- Mosca Galleria Trt,jakov

Ritratto di Vera, figlia dodicenne del magnate delle ferrovie e noto mecenate. La tela testimoni a pieno la vena gioiosa di Serov. La scena è spontanea e vivace"ciò che ottenni fu la freschezza, spiega l'artista "quella freschezza tutta particolare che si avverte nella natura, ma non si trova in pittura".Più che dagli impressionisti francesi, che non conosce ancora a sufficienza, Serov trae insegnamento dal suo maestro Repin, che gli da ottimi spunti di riflessione. Personale è, però l'opera finale assai convincente perchè supportato da un uso sapiente della luce (che colpisce la schiena della ragazza avvolgendone la figura e fa vibrare i colori) e degli accostamenti cromatici Interessante appare anche l'impaginazione, con la linea diagonale del tavolo che si interseca con quelle verticali delle pareti e delle finestre. Opere

AUTUNNO
Autunno
Dorata dimora
Della Natura.
Sentieri boschivi
Che abbracciano laghi
Come teneri amanti.
Tigli non più odorosi
E aceri gialli conversano
Con frassini e olmi
In livrea
di sfumata
doratura.
Autunno
Terra sepolta
Sotto un manto
Di foglie rosseggianti
Che crepitano
ad ogni passo.
Autunno
Dove l'alba
Saluta gli alberi
E il tramonto lascia
Sulla loro scorza
Un riverbero d'oro.
Autunno
Antica soffitta
Di abiti e vecchi libri
Dove Inverno
Inizia a sfogliare
Le sue diafane pagine.

Annarita Ruberto

Lo sguardo del Nord, verso l'impressionismo.

2010-02-24T00:17:00.021+01:00

Belgio e Olanda.

La lezione di Courbet e del realismo francese non passa inosservato anche nell'area fiamminga, che vanta una lunga tradizione di naturalismo pittorico

Alfred Stevens, molto vicino agli ambienti francesi, che resta il più celebre pittore di ambito realista specializzato in scene di genere dell'area belga.
Il plein air tra impressionismo e tradizioni e l'interesse per la luce è tema portante della pittura fiamminga.
La ricerca en plein air degli artisti olandesi e belgi della seconda metà dell'Ottocento affonda le sue radici più nella tradizioni di Rembrain, ruysdael, Hals e Vermerr che nella tradizione dei francesi

ALFRED STEVENS

(1828-1906),

pittore belga, è nato a Bruxelles il 11 maggio 1828.

La Via Lattea
olio su tela 68 x 53 cm
Bruxelles, Galerie Patrick Derom

Dopo aver studiato pittura all’Academie del Beaux Arts di Bruxelles dal 1840 al 1844 Alfred Stevens si reca a Parigi dove frequenta i corsi di Jean Dominique Ingres. Al suo ritorno a Bruxelles nel 1849 realizza opere storico-realistiche che espone per la prima volta al Salone di Bruxelles del 1851. Stabilitosi a Parigi l’anno seguente diventa un personaggio di spicco dei circoli sociali, artistici e letterari. Nel 1854 abbandona i temi storici per concentrarsi sui ritratti delle dame della Parigi del Secondo Impero. La sua attrazione per il japonisme è evidente nei decori orientaleggianti e negli accessori che dipinge nel dettaglio. Dal 1880, su richiesta del suo medico, comincia a trascorrere vacanze regolari, prima in Normandia e poi nel sud della Francia. Ispirato dalla bellezza delle coste, realizza una serie di marine che incontrano a Parigi grande successo. Talvolta nelle sue composizioni include dei personaggi come ad esempio nella Via Lattea, in cui una giovane donna è immersa nella contemplazione di un cielo stellato.OPERE

Jozef israéls

(Griningen 1824-Scheveningen 1911)

Jozef Israèls, che visita Parigi e fa esperienza diretta delle novità francesi I suoi quadri propongono una sintesi tra gli spaccati sociali di Coubet e le scene di vita campreste di Mulet, pur conservando aspetti di un Realismo

ben più di maniera. Josef ebbe la sua prima formazione all'Accademia di Groninga per poi trasferirsi a Parigi all'Ecol des Beaux.Arts con Horace Vernet e Hippolyte Delaroche.Ben presto si chiari nella sua pittura.

La sua opera incontrò l'esplicita ammirazione di Vincent Van Gogh, il quale la scelse tra i suoi essenziali riferimenti figurativi. Dipinti di Josef Israèls si trovano nei principali musei del mondo, tra cui la National Gallery di Londra e lo Stedelijk Museum di Amsterdam. Alla metà del secolo, quando Jozef Israèls, muoveva i primi passi nell'ambito della pittura realista, lo stile di Millet e Courbet non incontra il favore della critica ufficiale, tanto in Belgio che in Francia. Sarà grazie all'attività della Sociètè Libre des Beaux-Arts, fondata nel 1868, che il nuovo credo pittorico comincerà a diffondersi. Riscuote un enorme successo anche un Realismo di segno ben diverso da quello schietto e impegnato di Millet e Courbet: esso è rappresentato da artisti quali Henri Leys OPERE

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Henri Leys, risolve il tema storico con un'analisi dettagliata del vero, in bilico fra tradizione fiamminga e accenti romantici.I fiamminghi del Quattrocento sembrano rivivere, attraverso il filtro dell'esperienza romantiche delle tele di questo artista tecnicamente assai dotato, in grado di restituire con magistrale credibilità la qualità di una stoffa o dell'epidermide di un volto.

Jozef Israèls-Il pescatore annegato-

1861 circa- Londra-National gallery

L'osservatore non può rimanere impassibile davanti a un simile spettacolo.

Il quadro rappresenta una tetra spiaggia, dove un gruppo di pescatori sta portando fuori dall'acqua il corpo di un compagno annegato , mentre il mare continua a ribollire sotto un cielo ancora gravido di grigie nubi temporalesche contro un azzurro slavato e acquoso.Il Pescatore annegato è una delle tele più note di Jozef Israèls, che con quest'opera si guadagna una fama internazionale. Assai significativo per comprendere un certo realismo di genere molto diffuso nell'area fiamminga.Una pittura che non può non richiamare nell'osservatore un sentimento di cordoglio e simpatia. Ogni cosa è misurata, avanti al cadavere cammina la vedova avvolta in un cieco e muto dolore che non conosce pianto, mentre indica la strada ai due figli ormai orfani, impauriti alla vista della tacita pena della madre. Impossibile immaginare in un quadro più sentimento di quello che è riuscito a mettere il pittore.OPERE

L'interesse per la luce è tema portante
della pittura fiaminga. La ricerca en plein
air degli artisti olandesi e
belgi della seconda metà dell'Ottocento affonda le sue radici più
nella tradizione di Rembrandt,
Ruysdael,

Hals
e Vermeer che nella lezione dei francesi.
L'influenza dei pittori di Barbizon e i loro primi esperimenti all'aria aperta riveste comunque un'importanza non trascurabile anche per pittori di area fiamminga.

Johann Barthold Jongkind

Ritratto dell'artista da lui stesso

1850 (commentato nel 1860)

Grafite (20,5 x17 cm)

Musée d'Orsay, Parigi

Il passo decisivo verso il plein air e in un certo senso, verso l'impressionismo, è segnato dall'artista Johann Barthold Jongkind, pittore di paesaggio olandese, conosciuto come il "pittore di Honfleur e le strade di Parigi", Manet lo chiamava " il padre del paesaggio moderno",e di giovani pittori come Monet, che fu suo allievo al suo inizio e lo chiamava il suo "vero maestro", sono stati sedotti dalla sua audacia stilistica e il suo paesaggio olandase. Considerando che i lavori di Jonglind parlano da se, può essere visto come un legame tra le opere di Corot e Monet. L'artista ha vissuto sopratutto in Francia dove fu apprezzato dalla comunità artistica e dagli amanti dell'arte.

Johann Barthold Jongkind

Entrata nel porto di Honfleur

(Giornata ventosa)

1864, Chcago-The Art Institute- of Chicago.

La lezione di Jongkind è preziosissima per la nascita dello sguardo impressionista. Claude Monet ribadirà in più occasioni l'importanza della figura dell'olandese sulla propria formazione. Gli effetti atmosferici introdotti da Jongkind nei quadri a contatto di Boudin e con il giovane Monet non incontrano il favore della clinica ufficiale. e del pubblico, incapace di comprendere la modernità Sulle orme di Jongkind molti pittori si della nuova generazione si recheranno in Olanda, compreso Monet in cerca di nuove suggestioni, complice la passione per la pittura della tradizione olandese, in particolare quella di Hals, che investe la Parigi degli anni sessanta.Le tele di Jongkind sorprendono per la loro modernità Già negli anni sessanta esibiscono una pennellata libera e un senso atmosferico proprio dell'impressionismo più maturo.OPERE

La scuola dell'Aia e il gruppo Les XX

"La pittura di paesaggio si trova alla vigilia di un cambiamento", scrive Renè Mènard nel 1873, commentando il contributo olandese all'Esposizione universale di Vienna." Senza troppo clamore i pittori olandesi sono tornati pian piano alla loro fonte di ispirazione; ora sono tutti al lavoro sulle loro dune e lungo i canali per osservare e raccontare quanto hanno notato, con una notevole sensibilità e un'amabile disinvoltura.
In quel piccolo gruppo di pittori che sta crescendo sulla costa olandese c'è un che di sincero che dovrebbe farci riflettere...Agli occhi di molti critici l'arte olandese pare aver preso un indirizzo profondamente innovativo: alcuni artisti sembrano aver "rotto definitivamente , con la insipida e fiacca scuola olandese del 1830.
La nuova arte dell'Aia viene abbracciata non solo dagli olandesi ma, viene abbracciata da altre città e nazioni.
Essi promuovono una pittura d'atmosfera, nella quale " il tono ha la precedenza sul colore"con esiti che svelano" la poesia del grigio in modi finora ignoti", come fa notare lo scrittore Van Senten Kolf.

Jan Weissenbruch

Una veduta della ST. Catherine ospedale nel Beekstraate In Arnhem

Con la Chiesa Walburg In The Background
1851

Il villaggio di Elshout,
da Jan Weissenbruch, 1850

La scuola dell'Aia abbraccia quattro generazioni di artisti e si sviluppa dal 1870 al 1890, vent'anni nei quali sensibile è il cambiamento del gusto e del linguaggio pittorico. Jan Weissenbruch, per esempio, membro fondatore degli artisti dell'Aia, lo Studio Pulchri, esordisce come pittore di stile tardoromantico per approdare lentamente a una grammatica vicino all'impressionismo, pur trattando sempre lo stesso soggetto: scene campestre OPERE

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Anton Mauve

Cavalieri sulla spiaggia a Scheveningen-1876

Amesterdam-Rijksmuseum

Anton Mauve invece, noto anche per essere il cugino e il primo maestro di Vincent van Gogh,presenta una pennellata molto aperta e una stesura del colore a campiture piatte, come ben dimostra questo suo capolavoro, che riproduce una scena di vita quotidiana senza alcuna implicazione sociale, uno spaccato di vita moderna più vicino a Degas che alla tradizione nordica. OPERE

Agli inizi del nuovo secolo. il Belgio è il secondo paese più industrializzato dopo la Gran Bretagna e uno dei paesi più ricchi del mondo-Nazione giovanissima- formatasi solo nel 1830, a seguito dell'emancipazione dall'Olanda della provincia delle fiandre e di quella del Vallone-il Belgio vanta però una lunga e ricchissima tradizione artistica. L'avvocato Octave Maus appassionato d'arte, insieme al suo collega Edmond Picard trovano terreno fertile quando pensano di fondare un nuovo gruppo artistico "L'Art Moderne" Subito sensibili alle novità, i membri di Les XX ospitano il capolavoro di Seurat, "Una domenica pomeriggio alla Grande Jatte" nelle sale di una loro mostra del 1887 Il Pointillisme accende gli animi del gruppo, come Theo van Rysselberghe che sceglie la nuova tecnica per molti suoi dipinti, tra cui il ritratto della pittrice Anna Boch, che vediamo dentro il Capolavoro.

Georges Seurat

Una domenica pomeriggio all'isola della Grande-Jatte

olio su tela, 205 x 308 cm, 1886, Art Institute, Chicago

OPERE DI SEURAT

Theo van Rysselberghe

Ritratto di Anna Boch- nel suo studio-

1889-Springfield-

Museum of Fine arts.

Profondamente colpito dal capolavoro di Seurat, Van Rysselberghe si avvicina alla tecnica del Pointillisme, con esiti notevoli. Il dipinto sembra quasi cercare una mediazione tra il gusto dell'impressionismo storico e quello della visione "scientifica"promossa da Seurat. Anna Boch allieva dell'artista è ritratta nelle vesti di pittrice, con in mano la tavolazza e il pennello. La sua solida figura si staglia sullo sfondo di uno studio in cui nulla è lasciato al caso, fanno bella mostra di se una pila di album da disegno,un'ampia selezione di pennelli, una stampa giapponese e un violino: tutti elementi assai significativi per ricostruire la personalità della donna.

Il violino che spunta nella parte sinistra della scena può essere un'allusione alla passione per la musica di Anna Boch che ama ogni settimana organizzare serate musicali. La Boch è aggiornatissima nelle scelte artistiche-è anche mercante d'arte ed è la prima e unica ad acquistare un quadro di van Gogh quando egli è ancora in vita- OPERE

Il freddo Nord

Nel 1895 Claude Monet si reca in Norvegia per sperimentare la tecnica impressionista al cospetto dei gelidi paessaggi del Nord. Il risultato che egli consegue è assai interessante: la pennellata frazionata e libera di Monet scende a patti con una trattazione dei volumi più accentuata, componendo il colore in macchie più definite del consueto. Anche la sua tavolazza-generalmente morbidissima - acquista accenti più freddi, tingendosi fino ad allora poco frequente dall'artista. Il paesaggio scandinavo, con i suoi contrasti cromatici e luminosi, effettivamente ha poco da spartire con le morbide nuances e le atmosfere della campagna francese.

L'adesione alla grammatica impressionista, già difficile altrove,

incontra un ostacolo naturale nei paesi nordici, che si adeguano

al plein air restando nell'orbita di un luminoso tradizionale, assai diffuso

nella pittura del Nord Europa.

Eugène Jansson

Il Riddarfjord a Stoccolma

1898-Stoccolma Nationalmuseum

La sua produzione, sfortunatamente poco nota, è assai interessante. Jansson dimostra tratti di notevole modernità, che si avvicinano più alla poetica di Edvard Munch che a quella di Monet, con cui pure condivide l'idea di osservare un unico luogo in diverse condizioni climatiche.

A segnare profondamente la distanza dalla ricerca del maestro francese è sopratutto la finalità dell'osservazione: Monet intende riprodurre su tela le impercettibili variazioni del vero che il nostro occhio è in grado di percepire, Jasson invece vuole catturare le sensazioni interiori che il paesaggio suscita nell'animo, dello spettatore.Jasson usa il colore e la pennellata come strumenti per accentuare sensazioni e stati d'animo

Il vortice disegnato nell'acqua dai riflessi in primo piano può ricordare il tratto impiegato da Munch nelle sue opere più famose.La scelta cromatica va al di là della riproduzione retinica del vero. Lungi dal voler offrire una mimesis della realtà, Jansson reinterpreta il soggetto in funzione della propria visione delle cose. Pittore solitario, egli si fa interprete di una tendenza assai diffusa nelle terre scandinave, in pittura, quanto in letteratura e Musica.OPERE

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Peder Severin Hip hip urrà!

Artisti celebrando a Skagen, 1888

Gòteborg-Gòteborgs

Kunstmuseum

Una delle opere più vicine ai modi dell'impressionismo è Hip hip urrà! di Severin. che immortala un pranzo all'aperto a Skagen, la punta estrema della Danimarca. Questo dipinto è forse il suo capolavoro e la tela in cui Kroyer più si avvicina alla maniera impressionista, sopratutto nei giochi di riflessi luminosi sulla tovaglia e sugli abiti Segna la distanza dalla lezione dei francesi la solidità delle figure e quella certa attenzione al dettaglio che caratterizza gran parte della produzione scandinava.OPERE

OCCHI...

Occhi ho incontrato

che donano gioia

Occhi rassegnati

di chi non crede

più a nulla.

Occhi ingenui

di chi nutre

speranza.

Occhi di madre

che culla

il suo bimbo.

Occhi sofferenti

incattiviti

e ribelli.

Occhi innocenti

e incontaminati.

Occhi perdenti

...silenti.

...vincenti.

Occhi emozionanti.

Occhi ho incontrato.

Annarita Ruberto